Araknex's Film Critic Horror Vault

La mia nuova recensione di "Kill List" (2011) per CineClandestino

2012-02-25T21:40:00.002+01:00

Sono felice di annunciare l' inizio della mia collaborazione con CineClandestino , ottima testata che seguo e stimo da tempo. Per il mio debutto, ho scelto una pellicola da me già recensita, scrivendone ex-novo, in forma completamente diversa ed ampliata. Buona lettura :)

pubblicata su CineClandestino:

http://www.cineclandestino.it/articolo.asp?sez=10&art=9034

Kill List (2011)

Kill List, ovvero : il potere del passaparola via Web al servizio di un Cinema che rimarrebbe altrimenti sconosciuto, relegato nei circuiti festivalieri, boccone prelibato per non troppi spettatori. Il film, terza opera del britannico Ben Wheatley, già autore della notevole black comedy “Down Terrace” (2009), è ancora inedito in Italia e, probabilmente, destinato a restare tale; il tam tam proveniente dal Regno Unito è stato grande , la pellicola ha riscosso consensi e critiche quasi in pari quantità, dividendo gli spettatori e stuzzicando immancabilmente la curiosità cinefila di chi, come noi italici, può godere della visione unicamente tramite il canale import.

E’ sufficiente digitare le due brevi parole del titolo per trovarsi di fronte a discussioni e speculazioni di ogni sorta che abbattono anche l’ ultimo mattone di dubbio e spingono a voler, assolutamente, vedere Kill List. Piccolo fenomeno di massa, film sopravvalutato o astuta operazione commerciale? Forse ognuna di queste cose, ma non solo; è pellicola comunque di indubbio valore e al tempo stesso, medaglia a due facce, nel prendere un aspetto diverso a seconda che la si veda per la prima, o la seconda volta. L’ opera di Wheatley è un gangster movie con varie diramazioni venose: horror, realismo, ironia ed un sottotesto simbolico che lo spettatore può decidere se accettare, interpretare, o abbandonare totalmente.

Il film si apre su Jay (Neil Maskell, perfetto), un killer “a riposo forzato” da otto mesi; lo scenario è casa sua, la vita famigliare, il rapporto conflittuale con la compagna Shel (MyAnna Buring) e quello col figlio Sammy, in compagnia del quale egli diventa puerile ancor più del bambino stesso. Kill List inizia dunque in un contesto realistico, fatto di dialoghi mai banali e sotteso da una continua, intima tensione: una sorta di “kammerspiel” ad orologeria, pronto ad esplodere da un momento all’ altro.

Entra in scena Gal (Michael Smiley), amico fraterno di Jay nonché suo complice nell’ attività di “hitman”, abbattitore di umani. Fin qui, cinema fortemente britannico in senso tradizionale, nel suo essere quadro di strappi famigliari ed umani, nel quale i personaggi prendono forma: Jay, infantile, iracondo, pregno di una violenza che stenta a soffocare, e Gal, a fargli da forza contraria, anch’ egli killer ma paradossalmente mite, rassegnato, fondamentalmente solo. Propone a Jay di rimettersi al lavoro, ha qualcosa per le mani, apparentemente routine, che frutterà loro un gruzzolo di cui hanno entrambi un gran bisogno.

Inizia così la spirale discendente dei due protagonisti, di Jay soprattutto ma anche dell’ amico, i cui residui di una qualche sensibilità e di un codice morale sono sempre più in conflitto con ciò che ha attorno e con colui che ha di fronte. Lo spettro di un episodio di otto mesi prima (la durata della pausa di Jay, dunque), i misteriosi fatti di Kiev, che traspaiono come ectoplasmi attraverso parole o foto viste di sfuggita, è sempre presente, minaccia e monito ma anche sottile presagio di ciò che potrebbe accadere di nuovo.

Ecco l’ incarico, ed ecco la Kill List del titolo , l’ elenco dei tre nomi da eliminare, persone che diventano capitoli schematicamente indicati con l’ appellativo della loro mansione: il Prete, il Bibliotecario, e l’ ultimo, il più importante.

Un incontro con i mandanti, dal sapore criptico e ritualistico, dà il via alla loro missione, al progressivo logoramento umano e morale che la accompagna. Una narrazione interessante, uno stile essenziale lontano anni luce dagli ammiccamenti modaioli alla Guy Ritchie, ci accompagna fino al finale, a quel “twist” improvviso e subitaneo che ha esaltato molti, e deluso altrettanti. Kill List assume dunque una luce completamente diversa, il film si carica di simbologie probabilmente più affibbiate che reali (da qui, le varie speculazioni interpretative rintracciabili in Rete), pur se, ad una seconda visione, alcuni elementi che a primo acchito erano passati inosservati o parevano insensati, acquistano un significato differente.

Questa chiave di lettura è, al tempo stesso, punto di forza e tallone d’ Achille del film: lo rende un prodotto atipico, che resta impresso, ma lascia anche molti dubbi e perplessità. Sta allo spettatore dunque, accettarla oppure respingerla, riducendola ad un orpello aggiuntivo: in questo modo comunque, ci si priverebbe di una parte importante di ciò che si ha di fronte.

Dal punto di vista narrativo, salvo alcuni scivoloni, la sceneggiatura è abbastanza buona, ma alcuni snodi potevano essere sviluppati in modo più completo: l’ analisi del rapporto Jay/Gal è quasi manichea, scevra da sfumature. Non si approfondisce l’ interessante spunto del triangolo Jay/Gal/Shel: la compagna del protagonista e l’ amico sono legati da profondo affetto, cosa ovviamente non troppo gradita a Jay. L’ argomento è solo accennato ma se fosse stato plasmato a dovere, accentuandone la natura ambigua, avrebbe costituito un sottotesto non trascurabile. Shel non è una tranquilla donna di casa, è al corrente dell’ attività del marito e in Svezia, suo paese natale, era nell’ esercito: altra idea con un buon potenziale, che finisce per venire soffocata.

La recitazione è ottima, con attori efficaci e in parte: il volto di Jay, infantile, apparentemente inespressivo, quasi abulico, quello di Gal, segnato e dolente, e Shel, dai lineamenti duri e dal nervosismo perenne.

La regia è abile nell’ inseguire i protagonisti, nel suo scrutarli, e tocca un picco altissimo in una magnifica scena di inseguimento in un cunicolo, che è il momento migliore dell’ intero film; il suono gioca un grosso ruolo, con uno score sordo, allucinato, ed i dialoghi che spesso iniziano prima che termini l’ inquadratura precedente, creando così un senso di spaesamento e di estraneità.

Tra chi urla al capolavoro e chi stronca senza pietà, la pellicola continua a suscitare interesse e anche i più diffidenti finiscono per cedere. Indipendentemente dal suo valore, che è comunque alto al di là delle evidenti pecche, Kill List sta raggiungendo il suo scopo: la visibilità. Non è forse ciò che ogni film desidera, semplicemente di essere visto?

Chiara Pani

(araknex@email.it)

Kill List

Uk - 2011

Regia: Ben Wheatley

La mia recensione di "Millennium - Uomini Che Odiano Le Donne" (2011) di David Fincher per Horror.it

2012-02-13T13:36:00.002+01:00

pubblicata su Horror.it:

http://www.horror.it/a/2012/02/millennium-uomini-che-odiano-le-donne-2011/

Millennium – Uomini Che Odiano Le Donne (2011)

“Se una donna si accosta a una bestia per accoppiarsi con essa, ucciderai la donna e la bestia e il loro sangue ricadrà su di loro”

(Levitico , 20:16)

In questo ed altri versetti del Levitico, non a caso il più fondamentalista fra i libri della Bibbia , è contenuta la chiave di volta per la risoluzione del caso sul quale indagano i due protagonisti di Millennium – Uomini Che Odiano Le Donne (“The Girl With The Dragon Tattoo”), l’ ultima e complessa opera di David Fincher. Etichettato in modo sbrigativo come remake dell’ omonima pellicola del 2009, firmata dal danese Niels Arden Oplev e, com’è ormai arcinoto, basata sul primo dei tre romanzi dello scrittore svedese Stieg Larsson, il film di Fincher è assai più di un semplice rifacimento. Innanzitutto, per la stratificazione del narrato: si mette in scena ciò che il cinema ha già mostrato e che, a sua volta, era trasposizione della parola scritta. Fincher, seguendo come sempre la sua visione, si appropria del testo di Larsson, lo reinterpreta, senza snaturarlo, mantenendone inalterati gli equilibri ma, al tempo stesso, offrendone un’ interpretazione completamente altra, inedita, diversa. Una sceneggiatura solida e dal meccanismo perfetto, firmata da Steven Zaillian (“Gangs Of New York”, “Schindler’ s List”) è fondamento indispensabile al lavoro del regista, accompagnandolo ad arte e regalando un risultato al di sopra di ogni aspettativa. E dire che è stato un film su commissione, a detta dello stesso Fincher, dunque non fortemente voluto; ma anche in questo tipo di operazione, il regista non riesce a non essere se stesso, a non infondere gocce della propria poetica tra le righe di un pensiero altrui.

“The Girl With The Dragon Tattoo”, a differenza della maggioranza delle rivisitazioni yankee di film stranieri, è girato nelle locations originali, nell’ algida Svezia, tra Stoccolma ed Hedestad, il luogo immaginario creato da Larsson dove sorge l’ isola di proprietà dei Vanger: dunque, non vi è stato lo sradicamento dalle origini culturali del testo, e ciò ha contribuito non poco al valore del film.

Il cinema di Fincher è da sempre fatto di dettagli, del piccolo che diventa fondamentale, dei tanti tasselli sparsi che si uniscono a formare un’ incastro inevitabilmente perfetto. Di tutto questo si compone l’ indagine condotta da Mikael Blomkvist (un efficace Daniel Craig), giornalista della rivista indipendente Millennium, caduto in disgrazia dopo aver tentato di smascherare gli affari sporchi di un miliardario: viene incaricato dal ricchissimo ed anziano industriale Henrik Vanger (Christopher Plummer) di indagare sulla scomparsa della nipote Harriett, avvenuta molti anni prima; l’ uomo è certo che il responsabile della probabile morte della ragazza, sia proprio un Vanger: “ si troverà ad indagare su ladri, avari, prepotenti, la più detestabile collezione di individui che lei abbia mai conosciuto: la mia famiglia”.

Non ha tutti i torti, Henrik Vanger: due nazisti in famiglia non sono esattamente motivo di vanto. Proprio su questo tasto, la sceneggiatura di Zaillian, memore di “Schindler’s List”, spinge particolarmente, mostrando così il marcio dei potenti dietro la patina di perbenismo, un feroce ritratto famigliare nel quale emergono scheletri tenuti nascosti troppo a lungo. Ma non è solo il fine che conta in questo film, è soprattutto il mezzo: è il modo in cui l’ indagine sviene svolta, e qui si torna all’ importanza del particolare, del mettere insieme tanti piccoli pezzi di un puzzle apparentemente irrisolvibile. La ricerca di Mikael è ossessivamente meticolosa, ricostruisce il giorno della scomparsa di Harriett mediante delle immagini, un susseguirsi di fotografie gelidamente immobili, ma che sono le sole ad essere in grado di dirgli qualcosa (“dove sei finita, Harriett?”, chiede Mikael guardandola stampata su carta).

Ed ecco che subentra lei. Lisbeth Salander. Personaggio già noto al pubblico sia per la trilogia letteraria, sia per il film precedente , grazie all’ ottima interpretazione di Noomi Rapace, a detta di molti ineguagliabile; invece, la scelta di Rooney Mara, già vista in “The Social Network”, si è rivelata assai più che vincente: lei è Lisbeth, in tutto e per tutto. Il personaggio Fincheriano è fisicamente più infantile e fragile, in apparenza indifeso, diafano e dal volto quasi alieno. Recita con gli occhi, con i gesti, resta stampata nella memoria fin dalla sua prima apparizione: convocata per incontrare Frode (Steven Berkoff), l’ avvocato di Vanger, al fine di affidarle il compito di indagare su Blomkvist a titolo cautelativo, prima di investirlo dell’ incarico riguardante Harriett (dunque le ricerche si fanno molteplici, si avvolgono l’ una attorno all’ altra), si siede di profilo, quasi senza guardarli, le sue risposte sono brusche, brevi, sfuggenti. Lisbeth indaga sulle persone senza avere contatti con a loro, a distanza, intrufolandosi nei loro computer, spiandole; è il suo modo di conoscere gli altri, senza che loro debbano vederla. Non permette a nessuno di avvicinarsi troppo a lei: il suo abbigliamento, i tatuaggi, i piercing, fanno parte della sua corazza.

Lisbeth viene ferita, anche davanti a noi, la scena dello stupro da parte del suo nuovo tutore non si dimentica facilmente. Ma la sua vendetta è catarsi pura , una sequenza di malata bellezza, nella quale da vittima diventa carnefice per riprendersi semplicemente ciò che le spetta, poiché quell’ uomo aveva congelato i suoi guadagni, costringendola a rivolgersi a lui per ogni esigenza economica, in cambio di favori sessuali. Il favore diventa aggressione e la risposta di Lisbeth è un occhio per occhio che consacra, definitivamente, la nostra completa empatia verso di lei.

Fincher è comunque attento a fare in modo che il personaggio non fagociti completamente il film: infatti, l’attenzione si focalizza sul rapporto con Mikael, e sul suo graduale scongelarsi di fronte a quest’ uomo. Al loro primo incontro, la Salander è come sempre sulla difensiva, ha con sé l’ inseparabile taser, l’ immobilizzatore: “se mi tocchi, ti ritrovi più che allarmato”; nel condurre le indagini fianco a fianco la ragazza accorcia le distanze, dapprima sessualmente, poi a livello umano, fino ad accennare a Blomkvist del proprio passato, di cui non è difficile intuire la tragicità.

Le ricerche si snodano attraverso quel covo di serpenti qual è la famiglia Vanger, passando per la folle solitudine di un criminale nazista passando per Martin (Stellan Skarsgård), erede dell’ impero industriale e fratello di Harriett.

Il finale, è la vera sorpresa: slegato sia dal libro che dal film precedente, è puro cinema di emozioni senza essere patetico o dai facili sentimentalismi. Una chiusa perfetta, sulle note della cover di “Is Your Love Strong Enough?” di Bryan Ferry riveduta dai How To Destroy Angels, progetto di Trent Reznor e Atticus Ross, autori dell’ intera colonna sonora del film; si inizia col lungo urlo digitalizzato dei titoli di testa e si conclude nel silenzio e in un interminabile sguardo ad occhi sgranati.

Eccellente il cast, la già citata Rooney Mara su tutti, il buon Daniel Craig a tenerle testa, i magnifici Christopher Plummer e Steven Berkoff, Robin Wright, nel ruolo un po’ sommesso di Erika Berger, socia di Blomkvist nella rivista Millennium e sua amante, ed il superbo Stellan Skarsgård.

I luoghi, gli spazi, sono anch’ essi protagonisti del film: l’ isola, la casa di Martin, interamente fatta di vetrate, dunque (in apparenza) del tutto visibile allo sguardo, la dimora di Henrik Vanger, triste dimensione di una solitaria memoria ed il cottage dove vive Mikael, in seguito raggiunto da Lisbeth: le pareti tappezzate da fotografie, appunti, vero spazio-testimonianza di ciò che sta venendo a galla.

Il montaggio è affidato ancora una volta ad Angus Wall (insieme a Kirk Baxter), già premio Oscar per “The Social Network”, e la fotografia è opera di Jeff Cronenweth, alla sua terza collaborazione con Fincher (“Fight Club”, “The Social Network”), capace di dare all’ immagine una qualità empatica, in linea con i differenti toni emotivi della pellicola.

Ottimo lo score, del già citato duo Reznor/Ross, ma su questo punto il film precedente era nettamente superiore, con le superbe partiture orchestrali scritte da Jacob Groth.

Un’ opera importante questo “Girl With The Dragon Tattoo”, da vedere a mente libera, cercando di mettere da parte sia il libro che l’ altro film, per considerarla ciò che è in realtà, un’ opera a sé stante: rilettura di qualcosa di già scritto ma filtrata attraverso l’ occhio di un talento non comune.

Chiara Pani

(araknex@email.it)

Millennium - Uomini Che Odiano Le Donne

Titolo Originale: The Girl With The Dragon Tattoo

Usa/Svezia/Uk/Germania - 2011

Regia: David Fincher

La mia recensione di "We Are What We Are" (2010) per Horror.it

2012-02-07T10:44:00.002+01:00

pubblicata su Horror.it:

http://www.horror.it/a/2012/02/we-are-what-we-are-2010/

We Are What We Are (2010)

Film difficile da definire questo “We Are What We Are” (Somos Lo Que Hay), lungometraggio d’ esordio del regista messicano Jorge Michel Grau (nessuna parentela col quasi omonimo autore de “Non Si Deve Profanare Il Sonno Dei Morti”), pellicola anomala sotto diversi aspetti. Ci si sradica completamente dall’ eredità horror del proprio Paese, sia quella più recente e nota (Guillermo del Toro ed il suo stile cupo e fiabesco), che quella ruspante e squisitamente di serie B degli anni ’50 / ’60, ricordata soprattutto per titoli come “El Vampiro” (1957) di Fernando Mendéz e le pellicole di René Cardona (“La Horripilante Bestia Humana”, del 1969, e la serie di film sull’ eroe mascherato Santo, alle prese di volta in volta con vari ed assortiti mostri). Da non dimenticare anche il figlio di Cardona, René Jr: tra i quasi cento titoli della sua produzione troviamo “Il Triangolo delle Bermude” (1978) e “La Notte Dei Mille Gatti” (1972).

Una cinematografia, soprattutto quella di Mendèz e di Cardona Senior, realizzata con mezzi poveri, spesso un po’ ingenua, ma genuina, figlia naturale di una Terra perennemente in bilico tra il sole che la brucia e le tenebre delle proprie sinistre leggende.

Il film di Grau si sgancia completamente dai propri predecessori: presentato a Cannes nel 2010, durante la Quinzaine Des Réalisateurs, mira ad un’ autorialità che riesce brillantemente a raggiungere, fallendo però in parte altri obbiettivi. Chi si aspetta un horror nel senso più genuino del termine, rimarrà deluso: Somos Lo Que Hay è più puramente un dramma, ben costruito ed interpretato (magnifico il giovane Francisco Barreiro nel ruolo di Alfredo), che proprio nelle forti tonalità drammatiche è erede naturale di un certo cinema sudamericano, portando in sé il sangue che gronda dalle proprie radici: la povertà, la famiglia e la sua degenerazione, la corruzione sociale, ma soprattutto un indissolubile legame col proprio passato collettivo e le sue macabre e oscure tradizioni.

Il film si apre con una bellissima sequenza, fortemente simbolica: un uomo si aggira per un centro commerciale, vacillando, in preda a spasmi, fino a cadere a terra esanime. Il cadavere viene immediatamente portato via ed in un batter d’ occhio la donna delle pulizie lava via il sangue che ha vomitato. Dunque, il “brutto”, il povero, il malato, va fatto sparire in nome di una cosiddetta civiltà che di civile, come vedremo, ha ben poco.

La vicenda si snoda attorno ad un nucleo famigliare, composto da due fratelli, Alfredo (Francisco Barreiro) e Julian (Alan Chàvez), la sorella Sabina (Paulina Gaitan) e la madre (Carmen Beato, perfetta nel ruolo ma talvolta troppo sopra le righe), personaggio divorante, duro nell’ animo e nei lineamenti ma al tempo stesso fragile e minato da un dolore che le scorre sottopelle senza darle tregua. L’ uomo del centro commerciale era il padre, che ora li ha lasciati soli, in balìa a problemi economici ma non solo. Egli non era semplicemente il capofamiglia, ma anche colui che governava il loro essere “tribù”, dunque “essere ciò che siamo”, ossia, cannibali.

Cannibalismo affrontato in modo assai diverso rispetto alla maggioranza delle pellicole sull’ argomento, antropofagia come cardine di un “rituale” per loro importantissimo, dal quale dipende la loro sopravvivenza ma la cui origine e natura non ci viene spiegata adeguatamente, lasciando un senso di incompiutezza a quello che dovrebbe essere il testo fondamentale del film. Ci vengono mostrati indizi affascinanti di una ritualità tribale perturbante e seducente, violenta e selvaggia, ma sono come bocconi lasciati a metà. L’ intento di Grau era probabilmente di suggerire senza mostrare troppo, finendo invece per far assaggiare una quantità troppo scarsa che lascia insoddisfatti. Ovviamente, non si parla solo di gore o splatter, presenti a livelli minimi e comunque non fondamentali in una pellicola di questo tipo: uno spunto bello ed interessante come questo avrebbe meritato uno sviluppo più degno, uno spazio più ampio rispetto a pochi risicati minuti. L’ intero film è basato soprattutto sui dialoghi, sui contrastati e morbosi rapporti famigliari: si sente odore di incesto tra i tre fratelli, l’ odio della madre per Alfredo è manifesto così come è chiarissima la predominanza dell’ elemento femminile, le due donne, su quello maschile, in quello che potremmo definire un “matriarcato cannibalico”. Il personaggio di Sabina è ambiguo e talvolta viscido come un serpente, Julian è un violento e Alfredo crolla troppo facilmente. La delineazione dei personaggi è buona, le sfaccettature sono rese a dovere, sebbene si rischi di cadere nello stereotipo.

Non passa inosservata la critica sociale, che vede la forze dell’ ordine messe alla berlina, inseguendo i casi di cannibalismo solo per una ricerca di gloria personale, mostrandoci una polizia corrotta, idiota, completamente marcia, che nel confronto morale con i “cannibali” perde inesorabilmente e con disonore.

L’ epilogo tocca toni tragici e poetici al tempo stesso, con una sequenza finale che può lasciare sostanzialmente perplessi.

L’ ottima regia di Grau salva parzialmente il film, che trova le sue maggiori pecche in una sceneggiatura confusa e in una verbosità eccessiva. Un discorso a parte merita la fotografia: assai bella e luminosa nelle scene diurne, diventa estremamente cupa negli interni notturni, al punto da rendere la visione a tratti quasi difficoltosa. Score perfetto e ridotto all’ osso, che rompe il quasi perenne silenzio del film nei punti giusti ed in modo eclettico, passando da tracce violinistiche a volte dolci, a volte inquietanti, fino ad una splendida versione di “Atardecer Huasteco” che entra letteralmente nell’ anima.

Un film non del tutto risolto, discontinuo ma comunque peculiare, con momenti di assoluta bellezza che si scontrano con un plot a tratti troppo confuso e sfilacciato. In ogni caso da vedere, anche per i suoi difetti, in quanto resta un tipo di cinema a sé stante e difficilmente inquadrabile in un genere. Se solo fosse stato più coraggioso, osando completamente, compiendo un salto invece che un piccolo balzo, scavando invece che mettere solo il dito nella sabbia, quello di Grau sarebbe stato un esordio col botto.

Chiara Pani

(araknex@email.it)

We Are What We Are

Titolo Originale: Somos Lo Que Hay

Messico - 2010

Regia: Jorge Michel Grau

Il mio articolo su David Fincher per Nocturno.it

2012-02-02T12:14:00.003+01:00

pubblicato su Nocturno.it:

http://www.nocturno.it/news/david-fincher-regista-del-millennium

David Fincher

Il cinema di David Fincher ha spesso cambiato pelle nel corso degli anni, spaziando nei generi e nelle soluzioni stilistiche, reinventandosi ed evolvendosi ma rimanendo sempre fedele a se stesso, alla propria identità. E quella dell’ identità è una delle tematiche centrali non solo del suo cinema ma anche del suo essere cineasta: Fincher si appropria completamente di ogni testo che porta sullo schermo, lo rende suo, infondendovi il proprio essere. Il regista statunitense ha sempre lavorato su sceneggiature firmate da altri, che ha reso proprie effettuandone una sorta di seconda scrittura tramite la sua, personalissima, visione. La scelta dei testi non è mai stata casuale, ha sempre seguito la sua personale poetica: piuttosto che adattarsi agli script, ha sempre fatto in modo che essi si adattassero a lui e ai discorsi fondamentali della sua cinematografia.
Troviamo così tematiche ricorrenti in film, in apparenza, molto diversi tra loro: a cominciare dagli universi a maggioranza maschile, nei quali il rapporto uomo/uomo è in molti casi conflittuale ( per poi evolversi, come per Mills/Somerset in Seven ), vedendo spesso un dominante e un dominato scambiarsi vicendevolmente i propri ruoli nel corso del racconto ( The Social Network, Zodiac, nella correlazione Graysmith/Avery, e ovviamente, in modo più complesso, Fight Club ) ; la già citata identità, uno dei perni del suo discorso cinematografico: dal film d’ esordio Alien 3, soffermandosi su Seven, con un killer dal nome John Doe in una città anonima, nella quale l’ apatia e l’ indifferenza (altre tematiche basilari) tentano di soffocare ogni traccia d’ umanità. Fight Club ne è il manifesto, con la ricerca del proprio io che diventa ossessione: dalle molteplici, finte identità assunte nei gruppi di auto-aiuto fino all’ incarnazione di ciò che si vorrebbe essere in un doppio dalla personalità debordante, e un’ identità collettiva, il Progetto Mayhem, che è prigionia travestita da libertà.
Lo scavare verso le proprie profondità passa attraverso un’ ossessionarsi (Zodiac), che è consunzione di sè e del proprio corpo, autodistruzione come metodo costruttivo che porta allo stravolgimento di una vita ordinaria: in apparenza rovina, in realtà rinascita.
La paura, in Fincher: di se stessi, e soprattutto degli altri. I suoi personaggi sono soli, isolati. La Lisbeth di Millennium aggredisce perché teme di essere ferita, allontana il prossimo ma si avvicina ad esso attraverso il suo lavoro: indagare sugli altri è il suo modo di conoscerli, più a fondo di chiunque altro, senza che lei debba lasciarsi conoscere da loro.
Gli elementi visivi sono fondamentali: la fotografia (negli ultimi due film ritroviamo Jeff Cronenweth, già mago dell’ immagine in Fight Club), fortemente connotata, che passa da toni seppiati e intimisti a colori gelidi, vero termometro degli umori narrativi; le trovate registiche innovative, come il particolare uso della soggettiva, abilissime, talvolta geniali. Le musiche: per anni affidate al grande Howard Shore, nelle ultime due pellicole godono del felice sodalizio con Trent Reznor e Atticus Ross.
Fincher ha spesso lavorato su script tratti da testi letterari: Fight Club, Zodiac, Il Curioso Caso di Benjamin Button, The Social Network e il recentissimo e splendido Millennium – Uomini Che Odiano Le Donne. Non semplici trasposizioni ma reinterpretazioni dello scritto in chiave Fincheriana, riuscendo, talvolta, nella difficile impresa di migliorarlo attraverso le immagini.
Il suo discorso sul romanzo di Stieg Larsson è uno scavare più a fondo, un’ indagine su un testo che parla, esso stesso, dell’ indagare alla ricerca della verità. Il film è l’ ennesimo mutamento di pelle, ritroviamo uno stile più lineare a rappresentare una narrazione complessa, stratificata e dal meccanismo perfetto.
Nove film nell’ arco di vent’ anni esatti, nove capitoli di una poetica che è mutevole nella forma ma non nella propria e prepotentemente unica identità.

Chiara Pani
(araknex@email.it)

La mia recensione di "Non Avere Paura Del Buio" (2010) per Nocturno.it

2012-01-12T12:29:00.001+01:00

pubblicata su Nocturno.it:

http://www.nocturno.it/recensioni/non-avere-paura-del-buio

Non Avere Paura Del Buio (2010)

Providence, Rhode Island. La piccola Sally, problematica ed introversa, in seguito alla separazione dei genitori, va a vivere col padre e la sua nuova compagna in una splendida villa in corso di ristrutturazione, un tempo appartenuta ad un artista, Blackwood, scomparso in circostanze misteriose. La magione custodisce un minaccioso segreto, celato nel seminterrato, e Sally non tarderà a scoprirlo.

Uno dei film più attesi dell’ anno questo Non Avere Paura Del Buio, scritto e prodotto da Guillermo del Toro e diretto da Troy Nixey, qui al suo primo lungometraggio; la pellicola è un remake del tv-movie targato 1973, ricordato come un piccolo gioiello di suspense. Purtroppo, non si può dire lo stesso di questa produzione magniloquente, assai bella nella forma ma scarsa nella sostanza: scenograficamente ineccepibile, con al centro una villa gotica che è location perfetta, nel cui ventre si celano scantinati magnificamente lugubri, dimora delle misteriose creature e nei quali l’ indole cupamente fiabesca di del Toro si manifesta appieno in tutto il suo fascino. La fotografia di Oliver Stapleton dà il tocco finale ad una confezione quasi perfetta, ma tutto questo non basta. Come non bastano i momenti azzeccati (il prologo, con l’ artista Blackwood, la scena della fontana dei pesci giapponesi, chiara citazione da Il Labirinto del Fauno, il disvelamento del meraviglioso affresco nel sotterraneo) , ossia quelli più chiaramente caratterizzati dall’ inconfondibile tocco del regista messicano. Molte, troppe cose non funzionano: il plot è scontato e dilatato fino all’ inverosimile, poiché i circa 90 minuti di pellicola possono venire percepiti come interminabili, soprattutto nella parte finale, che pare avvolgersi su se stessa. Le vocine delle creature del buio sono inquietanti, ma si resta delusi non appena esse vengono mostrate. La suspense è pressochè assente, lo snodo parallelo di dramma famigliare e narrazione gotica non riesce a convincere poiché entrambi i registri non vengono adeguatamente sviluppati. Guy Pearce recita col pilota automatico e Katie Holmes è solo leggermente al di sopra della sua media non eccelsa. Si salva Sally, bambina cupa, serissima, credibile. La regia di Nixey è troppo incerta per una produzione così importante, tecnicamente buona ma impersonale, scolastica. La tematica dell’ incubo infantile, ovviamente non nuova in del Toro, è qui trattata superficialmente, in una sceneggiatura dalla quale era lecito aspettarsi molto di più.
Un passo falso dunque, a livello di script e produzione, per un regista che finora non era ancora caduto nella trappola del film noioso e scontato. Riguardo a Nixey, il compito è stato eseguito in maniera sufficiente ma nulla di più, quindi una grande occasione sprecata per un regista esordiente.
Perdonabile se ci si consola ripensando ai migliori del Toro, ma si attende la prossima prova.

Chiara Pani
(araknex@email.it)

Titolo Originale: Don't Be Afraid Of The Dark

USA/ Australia/ Messico -2010

Regia: Troy Nixey

Per le "Grandi Saghe" di Horror.it : Venerdì 13 (1980)

2012-01-05T14:05:00.000+01:00

pubblicata su Horror.it:

http://www.horror.it/a/2012/01/venerdi-13-1980/

Venerdì 13 (1980)

Film a suo modo atipico, nel filone degli slasher movies, questo primo capitolo della lunga saga di Venerdì 13, firmato da Sean S. Cunningham, già produttore del cult “L’ Ultima Casa a Sinistra” (1972), di Wes Craven. Atipico, poiché segna la nascita di un “nuovo mostro”, senza mai mostrarlo. L’ icona Jason Voorhees, infatti, si manifesterà, così come noi la conosciamo, monolitica nella sua maschera da hockey, solo dal secondo film, il sequel “Venerdì 13: L’ Assassino Ti Siede Accanto” (1981), per la regia di Steve Miner (qui nelle vesti di produttore associato) . Il primo capitolo narra la storia, l’antefatto, getta le basi per quella che diventerà una delle saghe più lunghe, e discontinue, della cinematografia orrorifica odierna. Pellicola dunque, assai più complessa di quel che possa sembrare a primo acchito, che acquista fascino se rivista dopo anni, e dopo gli innumerevoli e spesso inutili sequel; in realtà, la lunga serie non era nei progetti dei produttori della pellicola: Jason doveva solo essere una sorta di elemento accessorio nella trama, la motivazione a monte degli omicidi compiuti dalla madre, la folle Mrs. Voorhees.

Come molte pellicole dell’ epoca, venne girato in tempi brevissimi, 28 giorni, e con un budget basso, 550.000 dollari, registrando poi vertiginosi incassi al botteghino.

Il film segue dichiaratamente la scia del successo di “Halloween” di John Carpenter, per ammissione dello sceneggiatore Victor Miller: oltre che proseguire nell’ ottica slasher inaugurata dal capolavoro Carpenteriano, anche qui ritroviamo la soggettiva dell’ assassino, dunque la messa in moto del processo di identificazione da parte dello spettatore, in maniera meno raffinata rispetto al suo predecessore, ma in ogni caso efficace.

Gli effetti speciali sono opera del grande Tom Savini, chiamato dai produttori entusiasmati dal suo lavoro in “Dawn Of The Dead” di Romero: anche qui l’ artista dell‘ effetto gruesome non si smentisce, rendendo le uccisioni credibili, senza eccedere nello splatter.

Gli attori sono per lo più sconosciuti al grande pubblico, ad eccezione di Kevin Bacon, qui in una delle sue primissime pellicole: spontaneo il paragone con l’esordio di Johnny Depp in Nightmare, altra star lanciata da un horror low budget.

Il plot è semplice, nel suo seguire le linee guida di molti horror tradizionali ma al tempo stesso ridettandole: moltissimi slasher successivi infatti, si ispirano dichiaratamente a questo film, sia nell’ impianto narrativo che nelle ambientazioni; un capostipite dunque, spesso ingiustamente sottovalutato.

Il film è ambientato in un campeggio, l’ ormai famigerato Camp Crystal Lake (che nel doppiaggio italiano diventa l’ improbabile “Campo Lago Cristallo”, spingendoci a chiederci perché gli adattatori dei dialoghi non riescano a cogliere il semplicissimo concetto di lasciare i nomi propri delle cose così come sono), e si apre con un flashback che ci riporta al 1958, con l’ uccisione di due ragazzi ospiti del campo. L’antefatto suggerisce ma non svela, gettando un’ aura macabra sul luogo, visto come maledetto e “jellato” dagli abitanti del paese vicino; la riapertura del campeggio, ad opera di Steve Christy (Peter Brouwer) , è considerata un’ impresa folle e scellerata.

La lunga serie di uccisioni inizia quasi subito, a partire dalla ragazza che si sta recando a Crystal Lake per lavorare come cuoca (la stessa mansione ricoperta, anni prima, dalla Signora Voorhees), e passando in rassegna, uno alla volta, come in una macabra parata, gli ospiti del Camp, un gruppo di ragazzi anch’ essi andati lì per lavorare, poiché la struttura ancora non è stata inaugurata.

La tensione è alta, merito anche di una buona regia e di una sceneggiatura comunque efficace nella sua semplicità: il largo uso della soggettiva del killer ci mostra le vittime perennemente osservate, rendendo assai bene il senso di minaccia incombente, di presagio sinistro. Gli omicidi sono ripresi in modo originale (si pensi a quello del personaggio di Kevin Bacon, infilzato da sotto il letto, a suggerirci che l’assassino si trovava lì da chissà quanto tempo), e a volte con grande tecnica: l’ uccisione della ragazza in bagno, proprio nel momento in cui pensa che la sua paura sia solo autosuggestione, omicidio preannunciato dall’ ombra dell’ ascia alle sue spalle, e reso in maniera eccellente dal montaggio che alterna la messa in campo della morte all’ inquadratura del lampadario ciondolante, come ad illudere lo spettatore che nulla verrà mostrato, ma è illusione breve, poiché l’immagine dell’ ascia conficcata in pieno volto si staglia rapida ed impietosa sullo schermo.

Ci sono i pattern tipici dell’ horror, ad esempio nella figura del pazzo del paese, Ralph, che si presenta al campeggio annunciando sciagure e morte certa, ed ovviamente non viene ascoltato. L’ uccisione dei protagonisti è spesso immediatamente successiva all’ atto sessuale, anche questo stereotipo della maggioranza delle produzioni horror degli anni ’80: come già detto in altre occasioni, sarebbe inutile e noioso perdersi in disquisizioni teoriche sull’ argomento. Va detto però che in questo caso il concetto è funzionale alla storia, poiché lo ritroviamo, a fine film, nelle parole della stessa signora Voorhees :”si erano distratti dalla sorveglianza perché stavano facendo l’ amore mentre quel povero bambino annegava”.

Proprio nel finale troviamo il nodo principale del plot, la spiegazione di ciò che è accaduto, non solo lo svelarsi dell’ identità del killer e le sue motivazioni ma anche un accenno a ciò che è avvenuto prima, e che segnerà lo svolgersi dei successivi capitoli della serie. Si getta dunque il seme per l’ intera saga, qui ancora più marcatamente rispetto alle altre produzioni seriali, poiché il protagonista non è ancora fisicamente presente bensì, come già detto, rappresenta soltanto un pretesto narrativo che acquisterà forma e forza nei film successivi. Ma è un pretesto fondamentale: Mrs Voorhees (interpretata da Betsy Palmer) è folle per la perdita del figlio, avvenuta nel 1958, anno dell’ antefatto mostrato a inizio film. Dalle sue parole, apprendiamo che Jason è annegato nel lago, poiché nessuno sorvegliava a dovere: la rabbia, il dolore, l’hanno resa ciò che è. Alcuni nodi fondamentali ancora non ci vengono svelati, ed in questo il secondo capitolo può essere visto come necessario, per dare completezza alla storia (così come è avvenuto in “Halloween”: apprendiamo del legame parentale tra Laurie e Myers solo nel secondo film, e ciò spiega molto di ciò che nel primo era rimasto insoluto): elementi importanti come la macabra dinamica della morte di Jason e la sua condizione mentale restano per ora nascosti.

Questo importante sottotesto va molto al di là del prototipo slasher e di ciò che il povero Jason è diventato nei film successivi, ossia un personaggio ai limiti del ridicolo, che si limita ad ammazzare a colpi di machete, senza una spiegazione, spesso senza una trama degna di questo nome. Il seme della storia era dunque importante e assai ben congegnato: come troppo spesso accade nelle saghe filmiche, il tutto si è perso, rendendo Jason icona del genere anche nel senso negativo del termine, sterile prototipo del killer in maschera che agisce per vendetta in film che si basano solo sul bodycount, dunque sulla quantità di cadaveri accumulati nel corso della narrazione.

Il finale è inquietante (tra l’altro frutto di un’ idea di Tom Savini), non è smaccatamente aperto ma comunque non chiude definitivamente la storia. E’, a suo modo, ambiguo.

Importante la figura di Alice (una brava Adrienne King), unica sopravvissuta al massacro e anche lei, come la Laurie di Halloween e la Nancy di Nightmare, coraggiosa e giovane eroina che rappresenta la forza del Femminile, qui in lotta non contro un minaccioso Maschile bensì con l’altra faccia della stessa forza, ossia un Femminile deviato e reso folle dal desiderio di vendetta. Uno spunto assai interessante, purtroppo poco sviluppato.

Bellissimo e disturbante lo score musicale, ad opera di Harry Manfredini: un minimale vocalizzo con un effetto delay, che viene percepito come “chi chi chi, ha ha ha”, ma che in realtà, stando alle parole dello stesso compositore, suona come “ki ki ki, ma ma ma”, in richiamo al tormentone sonoro che sentiamo a fine film per bocca della Signora Voorhees, in originale “Kill kill kill, mom mom mom”, ossia quell’ inquietante “Uccidila mamma uccidila!” che la donna recita in falsetto, come se le parole del figlio morto uscissero dalle sue labbra.

Un film dunque importante, più di quanto comunemente si pensi; la percezione della pellicola da parte dello spettatore cambia con gli anni: visto in età adolescenziale molti significati non vengono colti, la visione in età adulta lo valorizza, e permette di comprenderlo in maniera più completa ed articolata. Un ottimo inizio successivamente svilito da un numero impressionante di seguiti (attualmente,la saga conta ben 10 film, più il divertente spin-off “Freddy Vs Jason” ed il debolissimo remake del primo film, realizzato nel 2009 dall’ “operaio specializzato in rifacimenti” Marcus Nispel), che ancora una volta hanno spremuto il personaggio fino all’ osso, collocandolo nelle situazioni più improbabili, dall’ Inferno allo spazio. L’ ennesima lezione sull’ inutilità di collezionare sequel col solo fine di fare un po’ di bottino al box office, lezione che ovviamente non viene mai seguita a dovere. Perseverare, si sa, non è umano.

Chiara Pani

(araknex@email.it)

Titolo Originale: Friday The 13th

USA - 1980

Regia: Sean S. Cunningham

Horror.it Speciale Horror Natale: "Racconti Dalla Tomba" (1972)

2011-12-25T18:47:00.000+01:00

pubblicata su Horror.it:

http://www.horror.it/a/2011/12/racconti-dalla-tomba-1972/

nel nostro Speciale Horror Natale:

www.horror.it/a/category/cinema/speciale-natale-2/

Racconti Dalla Tomba (1972)

Infonde una certa nostalgia questa gran bella pellicola a episodi, diretta da Freddie Francis e prodotta dalla britannica Amicus; ce ne fossero ancora, di film godibili come questo, quei film che ti fanno esclamare “già finito?” davanti alla parola “The End”. La casa produttrice inglese veniva talvolta confusa con la più celebre Hammer per la comunanza sia di soluzioni stilistiche che di attori (Christopher Lee e Peter Cushing in primis) ma diversa dalla più facoltosa connazionale per la scelta di ambientare le proprie produzioni non in un passato dal sapore fortemente gotico bensì nell’ epoca presente, a causa di ovvi motivi di budget. La Amicus si specializzò in antologie di questo tipo, film di puro intrattenimento ma di ottima qualità e dai brividi garantiti. Un remake di questa pellicola era nelle menti di George Romero e Stephen King che rielaborarono il progetto dando vita a “Creepshow”, film che resta per molti versi simile al suo ispiratore.

“Racconti Dalla Tomba” (“Tales From The Crypt”) si presenta, a partire dal titolo, come trasposizione cinematografica dei leggendari fumetti della EC Comics; in realtà, soltanto due episodi provengono da quelle pagine ( “Reflection Of Death” e “Blind Alleys”). Il primo segmento (“…And All Through The House”) è invece creatura appartenente ad altre strisce orrorifiche di culto, ossia “Vault Of Horror”, mentre “Poetic Justice” e “Wish You Were Here” videro la luce sul bimestrale “The Haunt Of Fear”, sempre stampato dalla EC.

Un adattamento fumettistico realizzato ad arte da Freddie Francis, ottimo regista ed accalamato direttore della fotografia (ricordiamo, su tutti, il suo splendido lavoro per “The Elephant Man”), sul quale troneggia l’ immancabile Crypt Keeper, che qui presenta fattezze umane, a differenza dell’ amatissimo Zio Tibia, padrone di casa, anzi, di cripta, dell’ indimenticabile serie televisiva ( e Zio Tibia altri non è che l’ adattamento italico del nome Crypt Keeper).

Cinque episodi per altrettanti personaggi che durante una visita guidata nei meandri di una cripta, si perdono, finendo al cospetto del misterioso e tetro guardiano , che li invita a rimanere e comincia ad interpellarli, partendo da Joanne (una Joan Collins fortunatamente ancora lontana dai flagelli di “Dynasty” ), protagonista del primo segmento del film, l’ unico ad ambientazione natalizia, “…And All Through The House”: la donna uccide il marito, mentre la radio diffonde la notizia della fuga di un pericoloso psicopatico. Un uomo travestito da Babbo Natale si aggira intorno alla casa, ed il finale è facilmente intuibile, ma un “twist” imprevisto lo rende più gustoso. Questo è forse il capitolo più debole dell ‘intera pellicola, ben realizzato, con le ottime intuizioni registiche tipiche di Francis, che amava anticipare prima di mostrare, suggerire in quanto antipasto dello svelamento dell’ orrore, ma dal plot molto semplice e un po’ scontato. La messa in scena è comunque godibile, nel contrasto tra orrore e ambientazione festosa, reso ancora più stridente dalle incessanti musiche natalizie, a sottolineare la fondamentale ironia del racconto.

Il Custode, con ogni episodio, sta mostrando ai personaggi ciò che avrebbero commesso se non si fossero persi in quei meandri, elevandosi a giudice delle loro non troppo edificanti azioni.

Come seconda portata, gustiamo “Reflection Of Death”, già più prelibata della precedente: il marito fedifrago Carl (Ian Hendry) è in fuga con l’ amante Susan. Un terribile incidente si rivelerà essere solo un semplice incubo, ma ovviamente non è mai detta l’ ultima parola…Un’ idea assai semplice ma ben congegnata, nel classico schema di fusione tra sogno e realtà. L’ ipocrisia ed il tradimento di Carl sono i “peccati” che il severo guardiano giudica, puntando il dito. La sequenza dell’ incidente è girata ad arte, nel suo essere alienante e quasi onirica, e buona parte dell’ episodio ci mostra una visione in soggettiva, che mette in scena le reazioni dei personaggi, prima di rendere manifesto il volto di chi guarda. Ancora una volta, il terrore corre sul filo dell’ anticipazione, quasi un macabro indovinello per lo spettatore che sente la tensione crescere, a braccetto con un’ irrefrenabile curiosità.

Col terzo personaggio, si arriva a quello che è probabilmente il miglior segmento del film, ossia “Poetic Justice”: il giovane e benestante James (Robin Phillips), malsopporta il suo dirimpettaio, l’anziano spazzino Arthur Edward Grimsdyke (un superlativo Peter Cushing) ; non tollera la sua casa povera, il suo lavoro troppo vicino alla sporcizia, i bambini che vanno a fargli visita, i suoi cani. Un odio motivato solo dalla crudeltà e dalla disparità di classe, verso una persona tranquilla e di indole buona. Il giovane comincia così il suo metodico lavoro di distruzione della vita dell’ uomo, peraltro già pesantemente segnato dalla perdita della moglie, con la quale comunica tramite una tavola Ouija: dal licenziamento all’ allontamento dei bambini in un crescendo di cattiveria che spingerà Grimsdyke al suicidio. Arriverà la ben meritata vendetta, in un finale che colpisce, letteralmente, al cuore. Graziato dalla recitazione di Cushing e forte di un soggetto non banale, questo episodio coinvolge in maniera profonda, facendo crescere la rabbia verso il diabolico James, che si scioglierà in un’ appagante catarsi finale. Vendetta che è vera e propria Giustizia dunque, ed è esattamente da quest’ ultima che sono animate le intenzioni del Custode, il quale procede al quarto “imputato”, con il bel “Wish You Were Here”: Ralph (Richard Greene) è un uomo d’affari sull’ orlo della bancarotta; nella loro lussuosa casa, la moglie Enid riscopre una statuetta comprata durante uno dei loro numerosi viaggi, notandone, per la prima volta, l’iscrizione sulla base: saranno esauditi tre desideri ma si dovrà prestare molta attenzione a ciò che si chiederà. Gli esiti saranno ovviamente funesti. Altro eccellente capitolo, dotato di una forte vena ironica, la quale peraltro pervade l’ intero film, autocitazionista negli aperti riferimenti al breve racconto horror “La Zampa Di Scimmia” (The Monkey’s Paw) di William Wymark Jacobs, che ispirò il plot del fumetto.

Si giunge così al quinto, ed ultimo, episodio del film, “Blind Alleys”, altro piccolo gioiello insieme a “Poetic Justice”, col quale condivide la tematica dell ‘ingiustizia verso il debole: il Maggiore Rogers (un efficace Nigel Patrick) viene incaricato di dirigere un istituto per ciechi. Uomo egoista ed incapace di empatia, ignora qualsiasi richiesta degli ospiti, i quali domandano solo il minimo indispensabile trovando voce nel battagliero George (il bravo caratterista Patrick Magee): anche in questo caso, Giustizia e Vendetta si fondono in una soluzione geniale sia dal punto di vista narrativo che da quello visivo. L’ ottimo plot del fumetto trova dunque, anch’ esso, giustizia in una messa in scena originale, dai toni disturbanti e con una forte carica emotiva. La sequenza del corridoio con le pareti costellate di lamette resta uno dei punti più alti dell’ intera pellicola, la quale segue un andamento crescente, partendo da un primo episodio non troppo brillante fino a momenti realmente memorabili.

Si tornerà nella cripta e vi sarà, come Giustizia vuole, la resa dei conti e lo svelamento dell’ intenzione del Custode, con un finale che non delude e resta all’ altezza dell ‘intera narrazione.

Un classico, da vedere e rivedere, trasposizione filmica di un fumetto dalla quale il cinema odierno, saturo di patinati supereroi dalle passate glorie cartacee e ora relegati in storie per lo più inesistenti ed obese di effetti speciali, avrebbe davvero molto da imparare.

Chiara Pani

(araknex@email.it)

Titolo Originale: Tales From The Crypt

Uk/USA - 1972
Regia: Freddie Francis

Horror.it Speciale Horror Natale: "Black Christmas" (1974)

2011-12-25T18:05:00.001+01:00

pubblicata su Horror.it:

http://www.horror.it/a/2011/12/un-natale-rosso-sangue-black-christmas-1974/

nel nostro Speciale Horror Natale:

www.horror.it/a/category/cinema/speciale-natale-2/

Black Christmas (1974)

Questa bella pellicola di Bob Clark, di cui ricordiamo l ‘inquietante “La Morte Dietro La Porta”, anch’ esso targato 1974, è da considerarsi a tutti gli effetti non solo uno dei prototipi dello slasher così come lo conosciamo ma anche il precursore di molti film successivi: impossibile, infatti, non pensare all “Halloween” di Carpenter (1980) ma soprattutto a Dario Argento, nelle soluzioni visive, in alcuni passaggi narrativi, nell’ uso dei suoni e delle voci ed in intere sequenze che sembrano prese di peso dai primi film del regista romano. Vista la coincidenza cronologica delle opere, è difficile dire chi abbia copiato chi, anche se in “Profondo Rosso”, realizzato nell’ anno successivo, c’è davvero molto di questo Black Christmas (e qualche traccia la si nota anche in “Suspiria”, 1977). D’ altro canto, lo stile di Argento era già riconoscibile a partire dalla sua prima pellicola, “L’ Uccello dalle Piume di Cristallo”, datata 1970, dunque ci si trova davanti al classico dilemma se sia nato prima l’ uovo o la gallina. E’ curioso comunque notare che il personaggio dell’ assassino/ombra sia stato interpretato, in alternanza con un altro attore, dallo stesso Clark, ed entrambi abbiano anche prestato le loro voci per i monologhi telefonici, dunque,un’ altra, seppur minore, similitudine con le opere di Argento.

Con Carpenter si va su lidi più sicuri, visto che si parla del 1980 e nel film di Clark abbiamo un killer in perenne soggettiva, accompagnata da un pesante respiro; inoltre, alcune idee a livello di messa in scena a narrazione sarnno presenti nel capolavoro del regista statunitense. L’ intero filone slasher è, come si diceva, fortemente debitore verso quest’ opera, per quanto essa si differenzi notevolmente, a livello di profondità narrativa e caratterizzazione dei personaggi, dalla maggioranza delle successive produzioni “bodycount” ; la casa delle studentesse, la classica “sorority” americana, per intenderci, l’ uccidere senza movente ed in maniera seriale, la modalità brutale degli omicidi, le allusioni sessuali, e la già citata soggettiva dell’ assassino sono tutte caratteristiche presenti in Black Christmas, mescolate alla già citate soluzioni tipicamente argentiane ma soprattutto ad una propria originalità. Prototipo, modello, forse ispirato da un certo cinema ma di certo non copia o clone, il film resta un capitolo a sé stante nell’ horror della prima metà degli anni ’70, nel suo puntare più sulle atmosfere, sulle suggestioni, sull’ uso del suono e sulla minaccia invisibile e incombente piuttosto che sul mostrare tout-court oppure sul gore, a dispetto del brutto titolo italiano, “Un Natale Rosso Sangue”. Di plasma, infatti, ne vediamo ben poco ma è proprio ciò che viene lasciato fuori dal nostro sguardo ad inquietarci, ad instillare una tensione persistente, che non ci abbandona nemmeno a film terminato.

La storia si svolge durante la notte di Natale, in una casa studentesca per ragazze, sotto la bonaria sorveglianza dell’ eccentrica Mrs Mac (Marian Waldman), personaggio interessante, estroverso e malinconico al tempo stesso, che annega la sua sostanziale solitudine in furtive sorsate di cherry. Fin dall’ inizio del fim, tramite la soggettiva ed il respiro, si manifesta la presenza/assenza del maniaco, che fisicamente si muove in quei luoghi ma che non è quasi mai mostrato in terza persona, se non in pochissimi momenti della narrazione. Dunque, più vicino ad un’ entità che ad un essere in carne ed ossa, lontano anni luce dalla massiccia fisicità di un Jason o di un Michael Myers. Egli è fortemente presente con la voce, anzi, le molteplici e schizofreniche voci con le quali perseguita telefonicamente le ragazze, passando dagli insulti ai deliri, dal tono gutturale al falsetto, in monologhi genuinamente disturbanti ed efficaci. La minaccia viene in un primo momento sottovalutata e presa come uno scherzo, soprattutto da Barb (l’ ottima Margot Kidder, che ritroveremo protagonista di "Amityville Horror" e, molti anni più tardi, in un ruolo secondario in “Halloween II” di Rob Zombie), personaggio disinibito, sfrontato, trasgressivo, il cui omicidio nel film rappresenta forse la sequenza in assoluto più vicina al cinema di Argento: l’inquadratura dell’ occhio dell ‘assassino in penombra, il montaggio che alterna la scena di morte a quella di un coro natalizio di bambini, l’ uso della voce, i movimenti di macchina e soprattutto gli animaletti di cristallo in primissimo piano, sui quali schizza il sangue della vittima. Tutto ciò rimanda in modo assai evidente a quelle soluzioni visive che sono ormai diventate un marchio di fabbrica.

Ogni ragazza è un mondo a sé e lo studio sui personaggi è compiuto in modo accurato e non superficiale: l’indipendente e riflessiva Jess (una giovanissima Olivia Hussey) si ritroverà a diventare protagonista nel corso del racconto, coraggiosa e un po’ incosciente eroina che apre la strada non solo alle successive Nancy Thompson e Laurie Strode ma anche alle virginali icone argentiane quali Jennifer Connelly e Jessica Harper. Restando in tema di rimandi, impossibile non notare la presenza di John Saxon, il padre di Nancy in “Nightmare”, anche qui nel ruolo del tutore dell’ ordine.

Il terrore comincia a rendersi manifesto con scomparsa di Clare (Lynne Griffin), dapprima minimizzata come una scappatella, per poi assumere toni più realisticamente drammativi in seguito alla sparizione di una tredicenne, e conseguente ritrovamento del suo cadavere. In realtà, Clare è assai vicina a tutte loro: il suo corpo è in soffitta, con la testa avvolta nel cellophane che l’ha soffocata, su di una sedia a dondolo che il killer si diverte a cullare. Le protagoniste, compresa Mrs Mac, cominciano a sfoltirsi sotto l’ implacabile mano del maniaco omicida, lasciando dunque Jess al centro della scena e alle prese con un pesante sospetto nei confronti del proprio fidanzato, il nevrotico Peter (Keir Dullea, che ricordiamo come protagonista/accessorio in un film di quasi totale azzeramento recitativo quale è “2001: Odissea Nello Spazio”).

La pellicola si chiude in modo meno prevedibile e scontato di quanto possa apparire a primo acchito, con una sorta di “doppio finale”, ambiguo ed aperto.

La messa in scena è pervasa da una tensione costante, suspense allo stato puro, e da una vena di humor nero non demenziale che la rende ancora più unica nel suo genere; alcune sequenze sono sinceramente memorabili (il già citato omicidio di Barb ma anche la scena finale), e il killer come minaccia apparentemente impalpabile ma proprio per questo ancor più pericolosa, è trovata geniale e resa in modo assolutamente efficace. L’ uso del suono è fondamentale, anche nel disturbante score ad opera di Shirley Walker, e la fotografia cupa dona un grosso contributo all’ atmosfera tetra del narrato. Il plot presenta tuttavia alcune incoerenze, con qualche caduta e sfilacciamenti della trama che rendono la narrazione a tratti poco convincente. Nonostante questo, Black Christmas rimane un gioiello del genere orrorifico, storpiato da un inutile remake del 2006, che si spera abbia almeno contribuito a far ricordare il film originale, quel “Nero Natale” diventato “Rosso” per il pubblico italiano ma che proprio nel funereo non-colore trova la propria anima pulsante.

Chiara Pani

(araknex@email.it)

Black Christmas

Canada - 1974

Regia: Bob Clark

To Horror Film Fest XI edizione: The Hounds

2011-12-13T14:16:00.000+01:00

pubblicata anche su Nocturno.it:

http://www.nocturno.it/recensioni/the-hounds

The Hounds

Film interessante questo The Hounds, girato in Gran Bretagna e firmato da due registi italiani, Maurizio e Roberto Del Piccolo, anche sceneggiatori e produttori della pellicola tramite la loro casa indipendente Moviedel Productions; presentato all’ undicesima edizione del To Horror Film Fest, dove si è meritato una menzione speciale per il coraggio e la determinazione nell’ essere realizzato, il film è attualmente visibile online sul sito ufficiale.

The Hounds presenta due percorsi narrativi che finiranno con l’ intrecciarsi, in un finale non del tutto a sorpresa, poiché intuibile da vari indizi disseminati nel film, ma comunque ottima chiusa di una narrazione tesissima, forte di una sceneggiatura ben realizzata e non basata sull’ approssimazione.La regia è notevole e mostra un’ abilità non comune nel gestire il ritmo, che cambia sovente, passando da sequenze lunghe a flash brevissimi: ciò spiazza lo spettatore e mantiene sempre alta la tensione, caratteristica predominante nel film e gestita ad arte. Tensione che cresce in modo quasi impercettibile, per poi esplodere, catarticamente, in un registro che mescola l’orrorifico al drammatico in modo efficace. Il bosco, teatro del terrificante weekend dei quattro personaggi, è ambientazione claustrofobica che riesce ad affrancarsi dal solito clichè alla The Blair Witch Project; alcune trovate non sono originalissime e il finale è, come si diceva, prevedibile, forse volutamente; in ogni caso, le idee buone predominano: assai interessante l’ approccio al tema del “doppelganger”, il gemello maligno, che qui assume caratteristiche particolarmente inquietanti. Restano impressi i flash allucinatori dei protagonisti così come gli indizi/messaggi disseminati nel film, tasselli di un puzzle che prenderà forma nella parte finale. Si riesce ad uscire dai canoni dell’horror tradizionale, con un risultato peculiare e a tratti sinceramente disturbante; a tutto ciò si unisce un perenne senso di spaesamento e disorientamento che contagia lo spettatore, al quale non si dà tregua. Buoni gli attori, tutti britannici, ottima la fotografia, soprattutto nelle scene notturne nel bosco; assai interessante il lavoro sul suono, componente fondamentale della pellicola, e sulla colonna sonora, perfetta fusione tra il pop-rock degli House Of Noises e lo score classico, e inquietante, firmato da Pierluigi Pietroniro, già collaboratore di Morricone.

Un’ ottima sorpresa ad opera di due filmmakers indipendenti che ci regalano un film capace di osare sul serio, in modo coraggioso ed innovativo, e nel quale si mostra un’abilità tecnica non comune ed usata in maniera particolare. Da tenere d’ occhio.

Chiara Pani

(araknex@email.it)

Il film è visionabile qui:

http://www.thehounds-themovie.com/

The Hounds

GB - 2011

Regia: Maurizio e Roberto Del Piccolo

To Horror Film Fest XI edizione: Morituris

2011-12-13T13:09:00.000+01:00

pubblicata anche su Nocturno.it:

http://www.nocturno.it/recensioni/morituris

Morituris

Segna una svolta nell’horror italiano Morituris, opera prima del regista Raffaele Picchio che al recente ToHorror Film Festival si è guadagnato il Premio speciale Anna Mondelli per il miglior giovane talento. Con pieno merito. Un film che sconvolge, affascina, sorprende. Un pugno nello stomaco che gli appassionati di horror attendevano da troppo tempo. Dai gloriosi anni ’70 il nostro cinema di genere non era così coraggioso, sporco, sincero e di grande bellezza. Proprio da quel cinema, Morituris prende ispirazione, omaggiandolo di cuore (su tutti: L’ultimo treno della notte, di Aldo Lado), è da lì che parte per spiccare il volo in maniera autonoma, originale, anarchica. La prima parte del film, si ispira al fatto di cronaca nera tristemente noto come “il massacro del Circeo”: anche qui, abbiamo tre giovani della buona borghesia, che per puro, sadico divertimento, stuprano e seviziano due ragazze di ceto medio. Violenza anche classista dunque, ma non solo. La parte del film che vede torturatori e torturate nel bosco è durissima, ma non vi è autocompiacimento: nello spettatore cresce la rabbia, il senso di impotenza, il disgusto. Fin dall’inizio, dal viaggio in auto apparentemente spensierato, si percepisce qualcosa di perturbante, un pericolo incombente, un qualcosa che non torna. La figura di Jacques (interpretato da Francesco Malcom), col quale gli aguzzini comunicano telefonicamente mentre lui è in un lussuoso attico, è capo carismatico di una ciurma violenta e sostanzialmente idiota. Nel buio del bosco, riprese in soggettiva, virate in rosso e al ritmo di un pesante respiro, ci suggeriscono che qualcuno, o qualcosa, osserva predatori e prede. La vendetta arriva: dapprima a piccole dosi, poi scatenata in tutta la sua furia. Ha il volto non mostrato di cinque gladiatori venuti dall’aldilà, i ribelli di Spartaco, non-morti che tornano in nome di Nemesis, preannunciati da lapidi che portano la scritta “Hic Sunt Leones” e da iscrizioni in latino incomprensibili per i non troppo acculturati torturatori. Gladiatori, schiavi, contro l’alta borghesia, ma la vendetta non risparmia neanche le due ragazze, le vittime sacrificali, che dal primo incubo si ritrovano precipitate nel secondo, ancora più allucinante, poiché non sanno dargli un nome. E nome non hanno neppure loro, i protagonisti, tutti indicati come Morituris nei credits finali e differenziati soltanto da numeri: una spersonalizzazione completa, una disumanizzazione di vittime e carnefici. I fieri gladiatori hanno invece un nome proprio: dunque, chi sono i veri mostri?

La crudeltà dei giovani non ha scusanti, né giustificazioni; la violenza dei lottatori non-morti è, al contrario, non dettata da sadismo, ma semplicemente dal desiderio di ottenere, dopo secoli, la Nemesis che loro adorano e davanti alla cui statua mostrano fieri le teste decapitate delle loro vittime, che poco prima erano carnefici.

La regia di Picchio è sorprendente, la fotografia ad opera di Daniele Poli è magnifica, la sceneggiatura di Gianluigi Perrone è solida, intelligente anche nei dialoghi, mai scontati. Assai belle le musiche, ad opera di Riccardo Fassone: solenni, sottolineano degnamente le scene più intense e cariche del film. Film che ci regala scene memorabili: per citarne una, la sequenza dello stupro compiuto per mezzo di un paio di forbici; girata in modo magistrale, si fa forte del non visto che la rende ancora più disturbante, degli sguardi di vittima e carnefice, dell’ urlo straziante della ragazza affiancato da un suono extradiegetico sordo, che taglia i timpani. E memorabili sono le uccisioni da parte dei gladiatori, graziate da movimenti di macchina perfetti.

Un film dunque, che segna un punto di rottura nella produzione horror odierna, un ritorno a ciò che eravamo ma imbevuto di qualcosa di nuovo, un urlo di coraggio nel silenzio di un piattume al quale non ci siamo mai rassegnati.

Hic Siti Morituris Servi Nemesis

Chiara Pani

(araknex@email.it)

http://www.morituris.com/

Morituris

Italia - 2011

Regia: Raffaele Picchio

Due nuove recensioni dal 29° TFF su un blog amico

2011-12-12T01:28:00.001+01:00

Ho contribuito ad un'eccellente report sul recente Torino Film Festival su questo blog amico,che vi invito a seguire:

http://ultimospettacolocine.blogspot.com/

potete leggermi con Attack The Block e A Confession/Gangjeung

29 ° Torino Film Festival:Twixt (2011)

2011-12-07T13:45:00.000+01:00

pubblicata anche su Horror.it:

http://www.horror.it/a/2011/12/twixt-2011/

Twixt (2011)

Solo una parola può descrivere la sensazione che si prova dopo aver visto l’ ultimo film del grande Francis Ford Coppola, per il quale ovviamente non sono necessarie presentazioni, o ritrite lodi riguardo ai capolavori che ci ha regalato in passato: delusione, cocente delusione.

I recenti lavori del regista italo-americano non sono stati esattamente delle punte di grande cinema, a partire dall’ esile “Jack” (1996) e passando per “Un’ altra giovinezza” (2007): anche i più grandi possono perdere smalto, nel corso degli anni, anche chi ha concepito un’ opera come “Apocalypse Now”, ovviamente può sbagliare.

Tra le sue primissime opere troviamo un film come “Dementia 13” (1963), un horror che già mostrava i lampi di quel genio che sarebbe esploso qualche anno più tardi. Il suo “Bram Stoker’s Dracula” (1992), film amatissimo da chi scrive, esce dai confini del genere per espandersi in un capolavoro visionario, magniloquente, barocco, immenso.

Era dunque lecito nutrire qualche aspettativa nei confronti di questo “Twixt”, che viene presentato come thriller orrorifico ma che ha ben poco di entrambi.

Presentato in anteprima italiana alla 29° edizione del Torino Film Festival, e preceduto da voci sinistre riguardo alla qualità del film, una volta in sala si stenta a credere che ciò che si ha davanti sia davvero opera di Coppola, visti i molteplici difetti che lo affliggono.

Si narra la storia di Hall Baltimore (un Val Kilmer non solo assai imbolsito ma anche sottotono a livello di recitazione), scrittore horror in declino (felice la battuta del film in cui lo si definisce “Lo Stephen King dei poveri”), che ha subito la perdita della figlia ed è diventato un po’ troppo intimo col whisky. Baltimore è in crisi anche con la moglie Denise, interpretata da Joanne Whalley, nella vita ex-moglie di Kilmer. Lo scrittore si mette in viaggio per promuovere il suo ultimo e poco ispirato libro, capitando così a Swan Valley, sorta di cittadina fantasma sulla quale troneggia un gotico campanile con sette orologi. Si imbatte nello sceriffo Bobby LaGrange (il grande Bruce Dern qui relegato ad un ruolo troppo sopra le righe e, a dirla tutta, a tratti fastidioso), appassionato d’ horror e scrittore dilettante, che gli narra della tragedia che colpì quei luoghi negli anni ’50, una strage di bambini che ha reso tristemente famosa la piccola città. A rendere la vita difficile all’ anziano sceriffo, c’è un gruppo di ragazzini pseudo-dark, che sembrano usciti dai peggiori video di Mtv, e capitanati da Flamingo (Alden Ehrenereich), personaggio che vorrebbe essere divertente parodia dei vampiretti stile Twilight ma che finisce per scadere irrimediabilmente nel ridicolo.

Il film ha un ampio cotè onirico, in cui vediamo il sogno di Hall, durante il quale incontra la misteriosa V. (una convincente Elle Fanning, sorellina della più celebre Dakota), rivede la tragedia di Swan Valley e, udite udite, discorre nientedimeno che con Edgar Allan Poe (un ottimo Ben Chaplin), il quale lo aiuta a ritrovare la perduta ispirazione.

E’ la terza pellicola prodotta interamente dalla compagnia di Coppola, la American Zoetrope, ed il film è fortemente autobiografico: il regista subì la perdita di un figlio, nel 1986, morto in un incidente in barca, dunque nello stesso identico modo in cui perde la vita la figlia di Baltimore. Anche la presenza di Poe, è un sentito omaggio nei confronti di uno dei suoi principali ispiratori. L’ idea del film è nata da un sogno, dunque c’è molto, anzi, moltissimo del Coppola-uomo piuttosto che regista, e forse l’ eccessivo coinvolgimento personale ha contribuito al risultato confuso e deludente dell’ opera.

Distaccandosi da tutto questo e guardando al film in modo oggettivo, le pecche sono davvero troppe: si tenta il delicato equilibrio tra umorismo e dramma, spesso fallendo l’ obbiettivo, eccezion fatta per qualche momento realmente divertente (ad esempio, Baltimore alle prese con l’inizio del suo nuovo libro). I due registri si scontrano invece che fondersi, ed il risultato è stridente; ciò che dovrebbe strappare una risata è spesso fonte di fastidio: il personaggio dello sceriffo LaGrange, ad esempio, è troppo eccessivo, sopra le righe, per poter suscitare simpatia. La presa in giro dei luoghi comuni degli horror recenti (i ragazzini accusati di vampirismo), non funziona, e scade nella banalità più trita.

La trama è risaputa e colma di clichè: lo scrittore in declino, ovviamente ubriacone, che ha subito una grave perdita è quanto di più ovvio si possa vedere sullo schermo. La parte onirica è lievemente migliore, ma anch’ essa non esente da difetti troppo evidenti: il personaggio di V. è scontato, quasi macchiettistico, e la parte con Edgar Allan Poe risulta francamente imbarazzante, per quanto dia l’ occasione a Ben Chaplin di fornire una prova d’attore che si eleva dalla media del film. L’ idea dell’ omaggio, della citazione letteraria così manifesta, sarebbe stata buona, ma il contesto purtroppo la ridicolizza.

La fotografia delle parti oniriche, che sulle prime affascina e colpisce, è troppo finta e iper-digitalizzata per poter risultare convincente. L’ atmosfera è burtoniana, del Burton di Sweeney Todd per intenderci (ciò si palesa nell’uso del colore, del bianco e nero contrapposto al rosso, ad esempio), dunque potenzialmente efficace e suggestiva, ma alla lunga finisce per stancare. Due scene del film sono girate in 3D, e se ne poteva tranquillamente fare a meno: la tridimensionalità non aggiunge nulla, e la tecnica non è delle migliori. Queste pecche visive sono difficilmente perdonabili in una produzione di questo tipo, ed abbassano ulteriormente il livello del risultato finale: un minor uso del digitale “ad ogni costo”, avrebbe sicuramente giovato.

Ci sono, ovviamente, dei bellissimi momenti di regia, soprattutto nella parte iniziale, graziata anche dalla rauca voce narrante di Tom Waits: alcune idee sono buone, e nel cotè onirico troviamo le cose migliori, ma al tempo stesso anche le cadute più evidenti, soprattutto a livello stilistico.

La prima cosa che si è portati a pensare, dopo aver visto questo film, è che con esso Coppola abbia firmato il proprio necrologio cinematografico: ci si augura, ovviamente, che non sia così e che questo Twixt rappresenti solo un episodio malriuscito nella sua filmografia. Ma il pessimismo ci ricorda che tanti, troppi grandi registi hanno perso, negli anni, il loro tocco magico, sfornando prodotti sempre più inconsistenti: se anche Coppola sia entrato in questa sventurata schiera non è ancora dato saperlo, ma questo film di certo non infonde buone speranze.

Chiara Pani

(araknex@email.it)

Twixt

Usa - 2011

Regia: Francis Ford Coppola

29 ° Torino Film Festival:Mientras Duermes (2011)

2011-12-06T13:44:00.000+01:00

pubblicata anche su Horror.it:

http://www.horror.it/a/2011/12/mientras-duermes-2011/

Mientras Duermes (2011)

“Il mio unico sollievo è sapere che neanche gli altri sono felici”.

In questa frase pronunciata da César (un magnifico Luis Tosar), protagonista del film, si condensa il cuore pulsante dell’ ultima fatica del regista spagnolo Jaume Balagueró , al quale va il merito di aver ormai acquistato un cifra stilistica personale, dunque riconoscibile, sebbene non completamente originale nel panorama orrorifico della sua terra. Presentato in anteprima alla 29 ° edizione del Torino Film Festival.

Balagueró ha al suo attivo una serie di titoli di successo, fra cui il non eccelso “Nameless” (1999), che l’ ha reso noto al grande pubblico, il discreto “Darkness” (2002) e, stilisticamente diversi dalle sue precedenti produzioni, il famosissimo “Rec” (2007) e relativo sequel di due anni dopo. Si ricorda con piacere la sua partecipazione alla serie horror “Películas Para No Dormir” (2006), una sorta di risposta spagnola ai Masters Of Horror: il suo “Para Entrar A Vivir”, storia di una folle affittuaria (dunque simile, per tematica, a questo Mientras Duermes), si era distinto come uno degli episodi più riusciti in un’ operazione di livello medio.

Il suo cinema può piacere o non piacere, essendo appunto legato quasi sempre da un fil rouge che lo caratterizza. Questo suo ultimo film, lascia francamente perplessi: ci si trova davanti ad un prodotto medio, un thriller con punte di melò morboso, forte di alcune ottime idee ma anche vittima di vistose cadute.

César è il custode di un condominio, claustrofobico microcosmo nel quale ha luogo l’ intera narrazione, cronologicamente sfalsata al fine di creare un senso di smarrimento nello spettatore; César è apparentemente gentile, punto di riferimento per coloro che vivono nel palazzo: le vite degli altri scorrono davanti a lui, giorno dopo giorno. Il personaggio prende forma lentamente, e la sua follia strisciante, subdola, sadica, ci viene mostrata in modo sempre più evidente, scena dopo scena: l’ uomo nutre una malsana passione per Clara (la brava Marta Etura), condomina che lo tratta in modo amichevole. Apparentemente, un interesse innocuo: in realtà, un’ ossessione morbosa, violenta, della quale egli parla apertamente solo alla propria madre, moribonda in ospedale, che piange nel sentire le sue parole colme di rabbia e follia senza poter essere in grado di rispondere.

César è persecutorio, ossessiona Clara con lettere e messaggi anonimi, minacciosi e morbosi; si introduce nel suo appartamento durante la notte (“mientras duermes”, appunto), narcotizzandola e dormendo accanto a lei; la sua follia ci viene mostrata in crescendo, con atti sempre più subdolamente crudeli, diretti non solo alla donna ma anche agli altri condomini. Egli è profondamente solo e triste nella sua pazzia: nonostante questo, non suscita empatia nello spettatore, poiché il suo odio è sadico e trova sfogo anche sui deboli, su coloro che non sospettano minimamente quale sia la sua vera natura e si fidano di lui.

Il plot contiene trovate efficaci (le scene che vedono César delirare davanti alla madre morente sono momenti di pura follia, così come gli atti che compie di nascosto negli appartamenti altrui) e Tosar divora la schermo, regalandoci un’ interpretazione memorabile, che da sola vale l’ intero film. Un sottile ma persistente senso di tristezza pervade la narrazione, nel ritratto di una solitudine che è al tempo stesso causa e conseguenza di una follia mascherata, nascosta, tenuta sotto chiave per poi esplodere senza più alcun freno. L’ infelicità di César trova conforto nell ‘osservare e soprattutto nel causare quella altrui, come possiamo sentire dalle sue stesse parole: la sua aspirazione è di distruggere la felicità di coloro che gli stanno attorno, per renderli, in un certo qual modo, simili a lui.

La regia è abile, la visione è graziata dalla bella fotografia fredda e cupa firmata da Pablo Rosso, abituale collaboratore di Balagueró; dunque,il timbro visivo è quello tipico della maggioranza delle sue pellicole, e qui rende assai bene lo spirito della storia. Lo score è lieve, sottilmente inquietante e perfettamente funzionale alla narrazione. Riguardo alla messa in scena, possiamo riconoscere qualche traccia del cinema di Almodóvar, nella caratterizzazione di alcuni personaggi e nelle punte melodrammatiche che caratterizzano il plot.

Non tutto però funziona come dovrebbe: la pellicola ha un ritmo lento, troppo per essere un thriller, risultando a tratti noiosa; la sceneggiatura non è esente da pecche e non brilla per originalità, poiché tematiche simili si sono già viste in film come “Sliver” (1993) e la recente produzione Hammer “The Resident” (2011), seppur con le dovute variazioni. Il registro narrativo è in bilico tra l’ umorismo ed il dramma, con esiti spesso incerti e non del tutto riusciti. Si bada molto alla forma, con una confezione elegante e patinata, che però non è sufficiente a mascherare i difetti del film, soprattutto a livello di script, firmato da Alberto Marini: un cambiamento evidente e non del tutto felice per un regista che ha quasi sempre sceneggiato i propri lavori. Il film, comunque, trova riscatto in un finale non del tutto prevedibile e ad effetto, che ha il dono di risollevare l’ impianto narrativo.

Un lavoro dunque solo parzialmente riuscito, che mostra i suoi maggiori pregi in una grande prova d’ attore e in alcuni ottimi momenti, ma che ha il grande difetto di risultare potenzialmente noioso ed a tratti ripetitivo, caratteristiche che in un thriller, seppur atipico come in questo caso, sono note troppo stonate in un film che avrebbe avuto le carte in regola per poter essere considerato al di sopra della media.

Chiara Pani

(araknex@email.it)

Mientras Duermes

Spagna - 2011

Regia: Jaume Balagueró

29° Torino Film Festival - bilancio finale e vincitori

2011-12-04T13:33:00.003+01:00

Eccoci giunti alla conclusione della kermesse cinematografica torinese, quest' anno a mio avviso deludente e sottotono, rispetto alle passate edizioni.

Inauguro la giornata di Venerdì con Intruders, di Juan Carlos Fresnadillo, già regista di "28 Settimane Dopo", film che avevo gradito: mi preparo dunque alla visione con una buona predisposizione d' animo, la quale ahimè, viene irrimediabilmente delusa: una sceneggiatura stra-risaputa per un film che vorrebbe essere una favola nera ma che di nero ha ben poco, lento, noioso, con qualche buona trovata ma nulla di più. La storia di "Senzafaccia", mostro che approfitta del sonno dei fanciulli per strappare loro il volto, non convince, non morde, e soprattutto non spaventa. Tutto è mera patina fine a se stessa, senza la benchè minima profondità e troppo tedioso per poter essere intrattenimento puro. Proseguo, piuttosto scoraggiata, con 388 Arletta Avenue, pellicola canadese firmata da Randall Cole e prodotta dal Vincenzo Natali di The Cube. Per fortuna, il film non delude e si rivela una bella sorpresa: un thriller visto con l' occhio dell' assassino, che spia, pedina, osserva con morbosa pazienza le sue prede e gradualmente invade la loro vita, manifestando la propria presenza dapprima in modo sottilmente inquietante e poi sempre più macabro, in un crescendo che avvince e risulta disturbante. Buona la prova attoriale di Nick Stahl, interessante il lavoro sulle musiche, qualche momento risaputo e già visto ma perdonabile in una pellicola originale e di buona qualità. Dopo essermi rassegnata alla non-visione del film di Herzog, relegato in una sala minuscola e sold-out, mi preparo alla giornata di Sabato, che vede nella mia scaletta personale un solo film: Twixt, ultima fatica di Francis Ford Coppola, presentato in anteprima ed inserito last minute nel programma.

La delusione è purtroppo cocente: ero già psicologicamente preparata al peggio, a causa di una serie di commenti negativi serpeggianti per il Festival, ma ciò che ho visto è stato al di sotto di ogni aspettativa. Anche i grandi, anzi, i grandissimi, possono commettere errori, è umano e lecito; ma qui si parla di un prodotto davvero inferiore alla media, che pare essere stato girato svogliatamente e con la mano sinistra.

Una sceneggiatura piattissima, scontata, perennemente indecisa tra il registro drammatico ed umoristico, fallendo l'obbiettivo in entrambi i casi. Un Val Kilmer a dir poco imbolsito rotola da un lato all' altro dello schermo, in una pellicola iper-digitalizzata, al punto da far apparire i personaggi come se fossero figure ritagliate. Il 3D di alcune scene non convince, e non aggiunge nulla ad un lavoro decisamente deludente, con alcune cadute narrative risibili e al limite dell' assurdo. Non si salva neppure Bruce Dern, in un ruolo troppo sopra le righe e francamente fastidioso. Coppola firma così il proprio necrologio cinematografico, lasciandoci l'amaro in bocca e un film da dimenticare il prima possibile.

Un' edizione dunque deludente, alla quale però devo la scoperta di un grande cineasta, ossia Sion Sono, la cui retrospettiva è stata davvero la punta di diamante di una rassegna con troppe lacune. Piuttosto trascurabili, dal mio punto di vista, i film in concorso, eccezion fatta per lo splendido A Confession di Park Su-min: lento, dolente, magnifico. Per me dunque, vincitore morale. Divertenti Attack The Block e The Raid, ma comunque non memorabili. Pochissimo horror, poichè l' unico film pienamente ascrivibile al genere è stato Bereavement, pellicola solo in parte riuscita. Piatto ma non pessimo l'ultimo Balaguerò. Assai piacevole e riuscito il francese Les Bien-Aimès, di Cristophe Honorè: una parentesi deliziosa, in mezzo a troppe brutture. Posticino speciale per il documentario su Genesis P. Orridge, The Ballad Of Genesis And Lady Jaye, di Marie Losier: sincero ed appassionato omaggio ad un artista e ad una storia d' amore speciale, unica. Molte le pellicole non viste, a causa del sovraffollamento di titoli, nemmeno una visione della bella retrospettiva su Altman, che col senno di poi, rimpiango di aver trascurato.

Ecco i vincitori di questa 29 ° edizione:

TORINO 29 - Film in Concorso

Miglior Film :

Á ANNAN VEG / EITHER WAY di Hafsteinn Gunnar Sigurdsson
(Islanda, 2011, DCP, 84’)

Premio speciale della Giuria ex-aequo :

17 FILLES / 17 RAGAZZE di Delphine e Muriel Coulin
(Francia, 2011, 35mm, 90’)
&
TAYEB, KHALAS, YALLA / OK, ENOUGH, GOODBYE di Rania Attieh e Daniel Garcia
(Emirati Arabi Uniti/Libano, 2011, HDCam, 93’)

Premio per la Miglior Attrice:

RENATE KRÖSSNER per VERGISS DEIN ENDE / WAY HOME di Andreas Kannengiesser
(Germania, 2011, HD, 94’)

Premio per il Miglior Attore:

MARTIN COMPSTON per GHOSTED di Craig Viveiros
(Regno Unito, 2011, HD, 102’)


PREMIO MIGLIOR DOCUMENTARIO INTERNAZIONALE

Miglior Documentario Internazionale:

LES ÉCLATS (MA GUEULE, MA RÉVOLTE, MON NOM) di Sylvain George
(Francia, 2011, DVCam, 84’)


Menzione Speciale:

THE COLOR OF PAIN di Lee Kang-Hyun
(Corea del Sud, 2010, HDCam, 136’)

ITALIANA.DOC

Miglior Documentario Italiano:

L’OROGENESI di Caldwell Lever
(Italia/USA, 2011, HDCam, 53’)

Premio Speciale Della Giuria :

IL CASTELLO di Massimo D’Anolfi e Martina Parenti
(Italia, 2011, DigiBeta, 90’)

Menzione Speciale a:

FREAKBEAT di Luca Pastore (Italia, 2011, HDCam, 77’)



ITALIANA.CORTI

Miglior Cortometraggio Italiano :

VIA CURIEL 8 di Mara Cerri e Magda Guidi
(Francia, 2011, DigiBeta, 10’)

Premio speciale della Giuria :

OCCHIO DI VETRO CUORE NON DORME di Gabriele di Munzio
(Francia, 2011, Betacam, 25’)

Menzione Speciale :

DELL’AMMAZZARE IL MAIALE di Simone Massi
(Italia, 2011, DigiBeta, 6’)



PREMIO CIPPUTI

Miglior film sul mondo del lavoro :
LE VENDEUR di Sébastien Pilote
(Canada, 2011, 35mm, 107’)


SPAZIO TORINO

SE DAVVERO, PRENDERÒ IL VOLO di Filippo Vallegra
(Italia, 2011, DigiBeta, 9’)

PREMIO FIPRESCI

Miglior film di Torino 29 a:
LE VENDEUR di Sébastien Pilote
(Canada, 2011, 35mm, 107’)

Malastrana Numero 0 scaricabile online!

2011-12-03T05:17:00.000+01:00

il numero 0 della nostra creatura cartacea (in distribuzione al Torino Film Festival in questi giorni) è disponibile ora anche in pdf sul nostro sito:

http://www.malastranamagazine.com/

ogni numero ha un tema,e il numero zero è dedicato al "Cinema dei Prototipi" : quei film che sono stati pionieri di una determinata estetica, genere o tematica

sul numero 0, ho contribuito con la recensione de "La Lunga Notte Dell' Orrore" (The Plague Of The Zombies), produzione Hammer del 1966 firmata da John Gilling, che getta le basi per gli zombie movies del grande George Romero.

Un grazie speciale agli amici del Cineclub Domenica Uncut di Varese per il continuo sostegno!

seguite la loro pagina facebook e,se siete in zona,non perdetevi le loro proiezioni :) :

Cineclub Domenica Uncut

29° Torino Film Festival : un primo bilancio

2011-12-02T04:31:00.003+01:00

A due giorni dalla conclusione di questa 29° edizione del Torino Film Festival, ecco il primo bilancio, in attesa di tirare le somme finali. Edizione nel complesso inferiore alle precedenti, con una selezione di film non sempre all' altezza; questo dal punto di vista della sottoscritta, che per ovvi motivi ha potuto visionare solo alcune tra le molte pellicole presentate. Si aggiunge qualche disagio organizzativo: la soppressione della navette che collegano i vari cinema, alcune sale troppo piccole, personale non sempre gentilissimo.

Apro le mie personali danze nella giornata di Sabato, alla scoperta del per me fino ad allora sconosciuto Sion Sono, al quale il Festival dedica una splendida retrospettiva, forse una delle punte più alte di questa edizione: rimango sconvolta e affascinata da Strange Circus, un delirio filmico di colori, dominato dal rosso/sangue, una storia che resta come una ferita, avvolgendo e travolgendo lo spettatore. Scoperta felice, anzi, felicissima, di un cineasta che mi resterà nel cuore. La serata mi riserva invece una brutta sorpresa, col terribile The Oregonian: pellicola assolutamente mal girata, ai limiti dell' inguardabile,un vacuo scimmiottamento di David Lynch ridicolo ed inutile. Rimozione mentale assolutamente necessaria,e nella mente la domanda "ma perchè a certa gente è permesso di fare del cinema?". Pollice assolutamente verso.

Meglio la domenica: inizio col non brillantissimo Mientras Duermes, di Jaume Balaguerò: un thriller troppo lento per essere tale, ma che offre comunque alcuni momenti buoni. Non memorabile, ma nella media. Proseguo col divertente Attack The Block, intrattenimento puro ma troppo buonista e Spielberghiano per i miei gusti. Un' oretta e mezza spensierata, ma nulla di più. Alle 22.30, ecco la mia piccola perla, non dal punto di vista filmico ma puro amore personale: The Ballad Of Genesis and Lady Jaye,di Marie Losier ,documentario sul musicista (e artista a 360°) Genesis P. Orridge dei miei amati Psychic Tv, Throbbing Gristle e Thee Majesty e sulla sua storia d'amore con Lady Jaye, finita tragicamente. Esco dal cinema un po' triste, ma emozionata.

Dopo la pausa di Lunedì, mi rimetto in pista il giorno successivo, dal mattino presto col non eccelso Bereavement, al quale ho dedicato una recensione. Un film che parte bene, molto bene, per poi perdersi purtroppo in un plot sfilacciato e in un mare di prevedibilità: peccato, per quello che finora è l' unico vero horror da me visto al Festival. Torno in serata per il deludente Dernière Séance, troppo debole per risultare convincente. Arrivo a Mercoledì, e si inizia in bellezza col meraviglioso A Confession, del coreano Park Su-min: lento, epico, dolente. Finora, uno dei film più belli da me visti in questa edizione. Proseguo con l'atteso The Raid: puro cinema di genere, arti marziali a tutto spiano, divertente ma anche ripetitivo. Riserva comunque alcuni ottimi momenti e può meritare la visione.

Tento invano la missione impossibile per Cani Di Paglia di Peckinpah nel minuscolo Massimo 3, tutto esaurito, ergo ripiego su un titolo non inserito nella mia scaletta personale, il portoghese Sangue Do Meu Sangue: un film semplice, ma bello nel suo essere "povero" di mezzi ma con un cuore grande. Lascio la sala prima del termine per prendermi un break, un po' dispiaciuta nel perdermi il finale di un film che mi ha comunque colpita. In serata, proseguo il mio excursus al di fuori del cinema di genere, con Les Bien-Aimés di Christophe Honorè: cinema francese puro, una commedia/ dramma in un' insolita forma cantata che fa sorridere, riflettere, commuovere. Una grandissima Catherine Deneuve e una bravissima Chiara Mastroianni per un film che appartiene ad un tipo di cinema che da molti anni coltivo di meno ma che è stata una bella boccata d' ossigeno. Trés joli.

La giornata appena trascorsa, Giovedì, si apre con un altro capolavoro di Sion Sono, Cold Fish: estremo, delirante, esplode inesorabilmente in uno splendido finale. Unico altro film nel mio programma della giornata è Ghosted, prison-movie graziato unicamente da un bravissimo John Lynch ma talmente prevedibile da risultarmi fatalmente soporifero, viste le scarse ore di sonno al mio attivo: mi addormento all'inizio,mi sveglio sulla scena finale. Credo di non essermi persa nulla.

Oggi sarà la volta di Intruders, che attendo con grande curiosità, di 388 Arletta Avenue, sul quale ho sentito pareri assai discordanti, e tenterò la seconda missione impossibile questa volta per Into The Abyss del mio amato Herzog nella microscopica sala del Greenwich 3, già esaurita da stamattina con cocente delusione della sottoscritta, che lascia il box office a testa bassa ma ripromettendosi di fare un estremo tentativo. Vedremo se riuscirò nell' ardua impresa. Dopotutto, Fitzcarraldo ha portato una nave su una montagna: se Herzog docet, forse potrei farcela.

29 ° Torino Film Festival:Bereavement (2010)

2011-12-02T03:08:00.002+01:00

pubblicata anche su Nocturno.it

http://www.nocturno.it/recensioni/bereavement

Bereavement (2011)

Minersville, Pennsylvania, 1989: Martin, un bambino sofferente di una rara malattia che causa una totale insensibilità al dolore fisico, viene rapito da uno psicopatico che porta in sé le ferite di un’ infanzia durissima, e portato nel mattatoio in disuso dove vive. Cinque anni dopo la giovane Allison si trasferisce nel paesino, ospite degli zii, in seguito all’ improvvisa morte dei genitori. Due storie parallele che finiranno, inevitabilmente, con l’incrociarsi.

Potrebbe essere definito una sorta di “horror di formazione” questo Bereavement (“Lutto” ), pellicola firmata dallo statunitense Stevan Mena e presentata alla XXIX edizione del Torino Film Festival, nella sezione Festa Mobile. Il film è il prequel di Malevolence (2004), dello stesso regista, dunque qui vediamo l’ antefatto, l’ origine e genesi di un killer. Il film parte bene, anche ad un’ eccellente realizzazione tecnica: ottima regia e montaggio, bellissima la fotografia, ad opera di Marco Cappetta, artefice di immagini suggestive ed efficaci nel delineare la differenza tra le scene ambientate nel mattatoio, il folle microcosmo di Graham Sutter (ogni riferimento non è casuale, in un film molto citazionista), ed il mondo esterno: nelle prime, la fotografia è quasi seppiata, irrealistica, rendendo ad arte la dimensione da incubo dell’ ex slaughterhouse. Molto importante l’uso del suono, sia nello splendido score, realizzato dello stesso Mena, sia nella messa in scena delle uccisioni : l’ alternanza tra mostrato e suggerito si mescola ai rumori amplificati del coltello che affonda nelle carni, dell’ ascia che amputa, dei ganci da macellaio che penetrano negli arti. La rara malattia di Martin, un disturbo che causa la totale insensibilità al dolore fisico, è spunto interessante, così come il rapporto tra Sutter ed il piccolo, costretto ad assistere alle gesta omicide del pazzo, che si evolve fino a diventare vera e propria formazione di un killer. Graham è il frutto di un padre violento, col quale egli “dialoga” nei suoi deliri; un inquietante (e visivamente efficace) teschio bovino appeso al muro è il simbolo di quella figura paterna che l’ha reso ciò che è.

La storia di Allison scorre in parallelo: in seguito alla morte dei genitori, è costretta a trasferirsi proprio in quel paesino rurale, ospite della famiglia dello zio, Jonathan, un ottimo Michael Biehn. Le difficoltà della ragazza, il lutto che la opprime, si alternano alla storia del killer e del suo piccolo testimone: finiranno, ovviamente, per incrociarsi. Nel cast figura anche John Savage, nel non memorabile ruolo di un padre paralitico ed alcoolizzato, poco più che un cameo.

Si parte bene, ma ci si perde verso la parte centrale: i deliri di Sutter iniziano a diventare ripetitivi e come villain è debole, non ha carisma. Troppi clichè sono risaputi e si pesca a piene mani dal repertorio horror più sfruttato, a partire da Texas Chainsaw Massacre fino al più recente Frailty; Allison non ha un milligrammo della forza delle eroine slasher anni ’80,e si limita ad urlare e girare in canottiera lasciando intravedere le sue generose grazie. Il finale è fastidiosamente prevedibile, così come il segmento che arriva dopo i titoli di coda e che dovrebbe rappresentare l’effetto sorpresa.

Un film dunque solo parzialmente riuscito, che alterna momenti efficaci ad altri debolissimi e sul filo della noia. Assai bello visivamente in alcune sue parti, ma una bella confezione non basta a riscattare un prodotto privo di una vera sostanza.

Chiara Pani

(araknex@email.it)

Bereavement

Usa – 2010

Regia: Stevan Mena

La mia recensione di "11-11-11" (2011) in anteprima per Horror.it

2011-11-29T01:46:00.001+01:00

eccovi in anteprima il frutto della visione dell'ultima fatica di Darren Lynn Bousman,"11-11-11",per Horror.it:

http://www.horror.it/a/2011/11/11-11-11-2011/

La mia recensione di "Eaters" (2011) per Nocturno.it

2011-11-23T21:41:00.003+01:00

sempre dal To Horror Film Fest,ecco la mia opinione su Eaters per Nocturno.it:

http://www.nocturno.it/recensioni/eaters

Il respiro del blog

2011-11-19T10:51:00.001+01:00

Come avrete notato,da un po' di tempo a questa parte il blog vive quasi solo più di link esterni,alle mie recensioni per i siti con i quali orgogliosamente collaboro.Il poco tempo a mio disposizione purtroppo non mi ha più permesso di scrivere solo per questa mia creaturina.Ma ci sono novità in arrivo:interviste,e recensioni.Spazio ai corti e ai giovani autori.Stay Tuned :)

La mia recensione di "Morituris" (2011) per Nocturno.it

2011-11-19T10:48:00.001+01:00

Ancora dal To Horror Film Fest,il mio punto di vista sul bellissimo Morituris,che vi consiglio :)

http://www.nocturno.it/recensioni/morituris

La mia recensione di "Dark Souls" (2010) per Nocturno.it

2011-11-19T10:46:00.000+01:00

dal TO Horror Film Fest,ecco Dark Souls,pellicola norvegese del 2010.La mia opinione,su Nocturno.it

http://www.nocturno.it/recensioni/dark-souls

La mia recensione di "The Gerber Syndrome" (2011) per Nocturno.it

2011-11-14T21:43:00.001+01:00

Menzione Speciale al Concorso Lungometraggi del To Horror Film Fest: ecco il mio punto di vista su The Gerber Syndrome, per Nocturno.it:

http://www.nocturno.it/recensioni/the-gerber-syndrome

To Horror Film Fest 2011 - un grandissimo successo - i miei report per Horror.it

2011-11-14T21:40:00.001+01:00

si è conclusa trionfalmente l' undicesima edizione del TO Horror Film Fest: ecco i report, giornata per giornata, da me scritti per Horror.it

Giorno 1:

http://www.horror.it/a/2011/11/to-horror-film-fest-2011-un-inizio-col-botto/

Giorno 2:

http://www.horror.it/a/2011/11/to-horror-film-fest-2011giorno-2/

Giorno 3:

http://www.horror.it/a/2011/11/to-horror-film-fest-2011-giorno-3/

Giorno 4:

http://www.horror.it/a/2011/11/to-horror-film-fest-2011-giorno-4/

Giorno 5 - Il Gran Finale:

http://www.horror.it/a/2011/11/to-horror-film-fest-2011-giornata-finale/

La mia recensione di "Dans Ma Peau" (2002) per Horror.it

2011-11-14T21:30:00.001+01:00

Il mio punto di vista sullo splendido "Dans Ma Peau",pellicola del 2002 di Marina De Van,per Horror.it:

http://www.horror.it/a/2011/11/dans-ma-peau-2002/

Per le "Grandi Saghe" di Horror.it : Halloween

2011-11-03T02:49:00.003+01:00

doppio articolo per le Grandi Saghe di Horror.it:ecco a voi il ciclo di Halloween,col pezzo introduttivo:

http://www.horror.it/a/2011/10/halloween-saga/

e il mio punto di vista sul primo film:

http://www.horror.it/a/2011/10/halloween-1978/

Martedì 1 Novembre h.21 il To Horror sbarca su TRS Radio!!!!

2011-10-31T12:44:00.004+01:00

A ME GLI OCCHI BESTIOLE!!!E ANCHE LE ORECCHIE :) Martedì 1 Novembre dalle 21, Massimiliano Supporta,direttore artistico del Fest e Chiara Pani, redazione, saranno ospiti di "Music is my radar" su Trs Radio (FM 104800 ed in streaming www.trsradio.it) condotta da Giuppi e Mimmo Verì

parleremo del Festival e di molto altro,ASCOLTATECI IN TANTISSIMI!!!!!

http://www.facebook.com/pages/Music-is-my-radar/263502243674526

http://www.facebook.com/tohorror.filmfest?sk=wall

Nocturno & To Horror

2011-10-28T11:39:00.000+02:00

http://www.nocturno.it/news/tohorror-2011

Horror.it & To Horror

2011-10-28T11:38:00.000+02:00

http://www.horror.it/a/2011/10/tohorror-film-fest-xi/

Malastrana is born!:)

2011-10-26T19:00:00.001+02:00

Fanzine cinematografica a 360° con la quale ho il piacere di collaborare :)

http://www.malastranamagazine.com/

TOHorror Film Fest 2011 - IMPERDIBILE!

2011-10-16T04:45:00.000+02:00

Dall'8 al 12 Novembre al Blah Blah di Torino (Via Po 21), si terrà l'undicesima edizione del ToHorror Film Fest con il quale ho il piacere e l'onore di collaborare.

"A ME GLI OCCHI!" sarà il tema del festival:lo sguardo,la sua morbosità,le sue declinazioni

Sito Ufficiale:

http://www.tohorrorfilmfest.it/index.html

Pagina Facebook:

http://www.facebook.com/tohorror.filmfest

il MAGNIFICO poster del Festival creato da Tony Kelvin:

http://www.tohorrorfilmfest.it/images/TOHff_poster2011_big01.jpg

VIETATO MANCARE!!!!!

La mia recensione di The Clinic (2010) su Horror.it.

2011-10-04T13:49:00.003+02:00

un film da recuperare,e che vi consiglio

http://www.horror.it/a/2011/10/the-clinic-2010/

Tre recensioni per un'unica saga:Nightmare,per Horror.it

2011-09-30T20:05:00.001+02:00

i miei punti di vista sul primo,sul terzo e sull'ultimo capitolo della leggendaria saga dell'incubo:

http://www.horror.it/a/2011/09/nightmare-dal-profondo-della-notte-1984/

http://www.horror.it/a/2011/09/nightmare-3-i-guerrieri-del-sogno-1987/

http://www.horror.it/a/2011/09/nightmare-nuovo-incubo-1994/

La mia recensione di Fright Night (2011) su Nocturno.it

2011-09-20T13:59:00.003+02:00

ecco il mio punto di vista su Fright Night per Nocturno.it

http://www.nocturno.it/recensioni/fright-night

La mia recensione di The Woman (2011) su Horror.it

2011-09-16T11:39:00.001+02:00

ecco la mia recensione dello splendido The Woman per Horror.it

http://www.horror.it/a/2011/09/the-woman-2011/

film che vi consiglio caldamente!!!!!

Aggiunta Pagina: Dissolvenza In Rosso

2011-09-15T21:26:00.002+02:00

Non mancate di guardare la nuova pagina Dissolvenza In Rosso,dedicata al bellissimo clip-tributo argentiano ad opera della BDProduzioni e VIDEOCLIPROAD

La mia recensione di Henry Pioggia di Sangue (1986) su Horror.it

2011-09-12T20:29:00.001+02:00

il mio punto di vista sul capolavoro di McNaughton per il Cult della Settimana su Horror.it:

http://www.horror.it/a/2011/09/henry-pioggia-di-sangue/

La mia recensione di Cabal (1990) su Horror.it

2011-09-01T01:58:00.000+02:00

Per il Cult della Settimana,ecco la mia recensione di Cabal su Horror.it:

http://www.horror.it/a/2011/08/cabal-1990/

La mia recensione di The Perfect Host (2010) su Nocturno.it

2011-08-23T23:20:00.004+02:00

la mia recensione sul bel "The Perfect Host",commedia nera che vi consiglio caldamente,per Nocturno.it

http://www.nocturno.it/recensioni/the-perfect-host

La mia recensione di Resident Evil (2002) su Horror.it

2011-08-01T15:44:00.001+02:00

Per la sezione "Le Grandi Saghe" di Horror.it,ecco la mia recensione di "Resident Evil" (2002)

http://www.horror.it/a/2011/08/resident-evil-2002/

La mia recensione di Stake Land (2010) su Horror.it

2011-07-28T11:54:00.000+02:00

ecco la mia recensione di "Stake Land" per Horror.it.Film consigliatissimo!

http://www.horror.it/a/2011/07/stake-land-2010/

La mia recensione di The Bleeding House (2011) su Nocturno.it

2011-07-26T22:38:00.000+02:00

ecco la mia opinione su The Bleeding House,su Nocturno.it:

http://www.nocturno.it/recensioni/the-bleeding-house

La mia recensione di The Texas Chainsaw Massacre (1974) su Horror.it

2011-07-18T11:18:00.001+02:00

Nella sezione "Le Grandi Saghe",ecco il mio punto di vista sul capolavoro The Texas Chainsaw Massacre,per Horror.it:

http://www.horror.it/a/2011/07/non-aprite-quella-porta-1974-tobe-hooper/

La mia recensione di Hansel and Gretel (2007) su Horror.it

2011-07-05T03:31:00.001+02:00

http://www.horror.it/a/2011/07/hansel-and-gretel-henjel-gwa-geuretel/

La mia recensione di The Tunnel (2011) su Nocturno.it

2011-07-01T01:07:00.000+02:00

http://www.nocturno.it/recensioni/the-tunnel

La mia recensione di Hidden 3D su Horror.it

2011-06-19T02:22:00.002+02:00

http://www.horror.it/a/2011/06/hidden-3d/

La mia recensione di Hush su Nocturno.it

2011-06-19T02:18:00.002+02:00

http://www.nocturno.it/recensioni/hush

La mia recensione di Necromentia su Nocturno.it

2011-06-09T11:01:00.002+02:00

La mia recensione di Necromentia su Nocturno.it

http://www.nocturno.it/recensioni/necromentia2

La mia recensione di The Frankenstein Syndrome (2010) su Horror.it

2011-06-09T11:00:00.000+02:00

ecco la mia recensione di "The Frankenstein Syndrome" su Horror.it

http://www.horror.it/a/2011/06/the-frankenstein-syndrome-2010/

"Darkness Within" di James Kendall - miglior corto Kardiopalmo - Domenica 5 giugno in tv!

2011-06-02T19:35:00.000+02:00

"Darkness Within" di James Kendall,vincitore del premio miglior corto Kardiopalmo al nostro festival,avrà il suo primo passaggio televisivo Domenica 5 giugno su Coming Soon Tv,altamente raccomandato!

La mia recensione di The House Of The Devil (2009) su Nocturno.it

2011-05-31T20:00:00.001+02:00

la mia recensione di The House Of The Devil (2009) su Nocturno.it

http://www.nocturno.it/recensioni/the-house-of-the-devil

La mia recensione di Vinyan ora su Nocturno.it

2011-05-27T14:08:00.001+02:00

Con mio grande piacere annuncio la mia collaborazione con Nocturno.it,ecco la mia recensione di Vinyan:

http://www.nocturno.it/recensioni/vinyan

Necromentia (2009)

2011-05-22T13:39:00.000+02:00

Ci si interroga spesso,o almeno viene spontaneo farlo,sulla sottile differenza tra citare e copiare in toto,tra omaggio e plagio,tra “riferimento a” e furto bello e buono.

Trovandomi di fronte a questo Necromentia,film del 2009 firmato Pearry Reginald Teo e presentato al Festival di Cannes nell’anno in questione,fin dai primi fotogrammi ho visto davanti a me,gigante e intermittente come l’insegna di un motel americano,la parola “copiato”.

Visivamente parlando,nel calderone c’è un po’ di tutto:un pizzico di Ringu,un bel po’ di Saw (in alcune inquadrature e anche nella misteriosa figura di Mr Skinny,che resta comunque una delle cose migliori del film),una massiccia dose di Floria Sigismondi (nella seppur bella fotografia,nei colori:i primi minuti del film sembrano presi di peso dai suoi videoclip girati per Manson e Bowie),qualche spruzzatina di Jean-Pierre Jeunet e,last but not least,Clive Barker (il mostro pseudo-cenobita il quale,ahinoi,non ha un quarto del carisma dei personaggi Barkeriani).Senza contare una spolverata di Silent Hill,che pare non guasti mai.

“Saw incontra Hellraiser,ma è meglio di entrambi”:così recita,sulla locandina,l’estratto da una recensione dell’ LA Weekly.No comment.Il silenzio è d’oro,in certe situazioni.

Lo spunto da cui parte la sceneggiatura è nonostante tutto interessante:tre personaggi,Morbius (Layton Matthews),Hagen (Santiago Craig) e Travis (Chad Grimes),uniti dal desiderio di riportare in vita qualcuno che han perso.Mr Skinny,il guardiano degli inferi,è il fil rouge che li unisce,nella loro volontaria discesa all’inferno (altro tema che avrebbe potuto essere sviluppato in maniera più efficace).

Inferi resi in modo interessante e non banale,un tunnel sotterraneo,il personaggio di Mr. Skinny con maschera antigas ha un suo fascino sinistro e con lui il sordomuto Morbius,biondo reminder di un giovane David Bowie,mosso da un cieco desiderio di vendetta.In veste di Demone,è fascinoso e mostra l’eredità delle tradizioni orientali,nella sua crudele leggerezza (il regista è nato a Singapore).

Buona e visionaria la scena del grottesco personaggio-suino che si materializza dallo schermo televisivo:anch’essa rimanda a troppe cose,ma nel complesso funziona. Fortunatamente,non manca qualche sanguigna scena gore/splatter,niente di memorabile,ma meglio che nulla.

Il plot narrativo è volutamente frammentato e vorrebbe chiudere il cerchio nel finale,vorrebbe ma non riesce,poiché il film sembra essere stato troncato quasi per errore.

L’idea dell’incidersi sul corpo i simboli di una tavola Oujia per finire all’inferno di propria volontà è,se presa isolatamente,anche originale,ma viene inserita nel contesto in maniera banale;nella visione complessiva,risulta come il solito minestrone esoterico/satanico che abbiamo visto troppe volte.

Il montaggio videoclipparo di Damian Drago,la fotografia sì bella ma troppo patinata e perfettina,l’aria terribilmente modaiola e fighetta che impregna il film,tolgono il 90% del potenziale a una storia che,se presentata in modo meno ambizioso e più onesto,avrebbe anche potuto funzionare. Alla resa dei conti,il film lascia poco o nulla,a parte alcuni spunti interessanti e ovviamente non ben sviluppati.Il tutto scivola via come l’ennesimo prodotto trendy che avrebbe avuto esiti ben superiori,se si fosse prestata meno attenzione all’estetica,alla sovrabbondanza di “citazioni” e ci si fosse concentrati di più sullo sviluppo dei contenuti. Vecchia lezione che molti registi non impareranno mai,purtroppo.

Chiara Pani (Araknex Nexus)

araknex@email.it

USA – 2009

Regia:Pearry Reginald Teo

Aggiornamento:via le pagine!

2011-05-19T02:58:00.000+02:00

ho deciso di eliminare le pagine,ripubblicando le recensioni in post singoli,in ordine cronologico (in fondo,le più vecchie),per rendere più agevole l'uso delle etichette e arrivare più velocemente ai contenuti

le pagine su articoli e saggi restano invariate

Vinyan [pubblicata:Maggio 2011]

2011-05-19T02:53:00.002+02:00

Un nugolo di bollicine invade lo schermo e lentamente,si tingono di rosso:questo è l’incipit,cripticamente riassuntivo e profetico,di Vinyan,opera seconda del regista belga Fabrice Du Welz,già autore dell’interessante ed atipico Calvaire.Con questo film,presentato alla Mostra di Venezia nel 2008 in cui passò inosservato (oltre a non essere stato distribuito nelle sale),Du Welz riafferma ed espone in maniera più definita la sua cifra stilistica personale,e ormai già riconoscibile:l’orrore come ombra sempre incombente ma lasciata al di fuori dello schermo,accompagnato da una magnifica fotografia fredda,ancora una volta ad opera di Benoît Debie,che simboleggia il tormento delle anime livide dei suoi protagonisti.

Anche Vinyan narra di un calvario,quello di Jeanne e Paul (una sempre splendida e intensa Emmanuelle Béart e il bravo Rufus Sewell),coppia di coniugi afflitti dalla perdita del figlio,avvenuta durante lo Tsunami di sei mesi prima,perdita avvolta dal dubbio,poiché il cadavere non è mai stato ritrovato,dubbio che tormenta e che nutre vacillanti speranze.

A differenza di Calvaire,dove la totale assenza del Femminile costituiva il fulcro del film,qui esso divora la pellicola,in tutta la sua fisicità,incarnato da una Béart dolente,fantasma di se stessa,azzerata dalla forzata negazione di essere Madre.

L’evento scatenante ha luogo durante un viaggio a Phuket,in Thailandia:in un filmato girato in un villaggio birmano,Jeanne crede di riconoscere il figlio,nella figura di un bambino,ripreso di spalle.

La fissità del fotogramma,sgranato,di quel bambino che potrebbe essere chiunque,riflette la fissità dell’ossessione di Jeanne,la sua non rassegnazione a quella perdita che è stata anche e soprattutto perdita di una parte fondamentale di se stessa.

Inizia dunque il calvario,sotto forma del viaggio intrapreso dalla coppia verso la Birmania,dopo le ripetute insistenze della moglie e le resistenze del marito (figura antagonista e a tratti marginale,simbolo di una razionalità rappresentata come distacco emotivo);viaggio come inseguimento di una chimera,focalizzato sulla sorda speranza/disperazione di Jeanne.

Viaggio che diventa sempre più cupo,in una natura ostile e carnale,anch’essa femmineo che fagocita il film.Una pioggia perenne fa da sfondo alla pellicola,con l’acqua che rende i protagonisti madidi,acqua che non lava bensì fa diventare marcescenti e deboli,come nell’afflizione data da un forte dolore.

Nel corso di una suggestiva scena nella quale Jeanne assiste ad una festa locale su un’isola,con lampade di carta che vengono fatte librare nel cielo,ci viene svelato il significato del titolo del film:”vinyan” significa “arrabbiato,furioso”,e furiosi sono gli spiriti erranti che hanno incontrato una brutta morte;le lampade vengono lanciate in cielo dai vivi per guidarli,per dar loro un po’ di luce nell’oscurità del loro iracondo tormento.Queste,le parole di Thaksin Gao (Petch Osathanugrah),potente boss di Phuket al quale la coppia chiede aiuto all’inizio del viaggio per superare l’ostacolo della chiusura delle frontiere verso la Birmania.

Thaksin Gao è un personaggio ambiguo,chiede continuamente denaro alla coppia per proseguire il viaggio,presenta loro un bambino indigeno col volto dipinto di bianco e la stessa maglietta rossa indossata da Joshua,il figlio della coppia,al momento della scomparsa (e anche dal bambino del video), “ecco il bambino bianco che state cercando”;una beffa crudele,ma anche incredibilmente ingenua.Vinyan è la parola chiave del film:la rabbia di coloro morti di morte violenta,del dolore di Jeanne,ma anche e soprattutto quella di un paese più volte violato e ferito dall’Occidente.In questo senso,il personaggio di Thaksin Gao non è più negativo di una Jeanne o di un Paul che col loro denaro credono di comprare ciò che non si può,il lasciapassare per il raggiungimento di un’illusione.Lo sfruttamento tra la coppia e gli indigeni non è a senso unico e a sfavore della coppia come può sembrare a primo acchito bensì bilaterale e può simboleggiare una sorta di nemesi per tutto ciò che i “bianchi” hanno fatto a quelle terre.

L’aspetto di Jeanne muta nel corso del film,si trasfigura,diventando un unicum con la natura che la circonda,fino allo splendido finale,che esplode,anch’esso furente quindi “vinyan”,in tutta la sua forza.

Jeanne nel film è folle icona di disperazione,un’Adele H matura e madre che non vede e non vuole vedere la realtà,fino all’autoumiliazione (dolorosa la scena del riso),ma col cuore a suo modo puro nella sua ricerca.

Aleggiano le ombre di Fitzcarraldo e di Aguirre di Herzog,in alcune scene,nell’ambientazione,nel concetto di uomo che sfida la natura inseguendo un sogno folle ed impossibile,e nell’allucinatorio ed allucinato finale.

Film simile dunque al precedente Calvaire nel concetto di percorso,di discesa nella follia,di sostanziale solitudine umana.Opposto ad esso nella sua carnale femminilità,e più maturo nel suo discostarsi da certi clichè presenti nel film d’esordio,che ricalcava il pattern del survival horror,rileggendolo in chiave diversa e con un’ottica tipicamente europea.

Un film dunque da riscoprire,per assaporarne il gusto amaro e rabbioso,cercando,con la visione,di dargli una piccola luce.

Araknex/Chiara Pani

(araknex@email.it)

Francia/Belgio/Uk/Australia - 2008

Regia: Fabrice Du Welz

I Saw The Devil (Akma-Reul Bo-At-Da) (2010) – 28 ° Torino Film Festival [pubblicata:Dicembre 2010]

2011-05-19T02:52:00.002+02:00

Anatomia di una Vendetta.Così può essere riassunta l’ultima,bellissima,pellicola del regista sudcoreano Ji-woon Kim,che torna sul tema della nemesi dopo “Bittersweet Life” (2003).Tematica ricorrente nel cinema della Corea del Sud,se si ripensa alla magnifica “Trilogia della Vendetta” di Park Chan-wook (“Sympathy For Mr. Vengeance” – “Oldboy” – “Sympathy For Lady Vengeance”),e ovviamente presente nel cinema di tutto il mondo.La vendetta e le sue declinazioni,le sue conseguenze,il suo potere di trasformare una persona,è stata analizzata sotto molti punti di vista,per lo più di natura morale:la spinta a vendicarsi come abbruttimento dell’essere umano in preda alla febbre di una rabbia mista a dolore.Il film di Ji-woon Kim prende in considerazione anche questa prospettiva,ma non solo,ed è questo ciò che lo rende unico nel suo genere:coinvolgente,ricco di pathos e distaccato al tempo stesso ma in primo luogo ricca fonte di riflessione.

La storia parte con l’omicidio della giovane Joo-yeon,figlia di un capo della polizia in pensione e fidanzata dell’agente segreto Dae-hoon (l’eccellente Byung-hun Lee),ad opera del serial killer Kyung-chul (lo straordinario Min-sik Choi,che qui dà vita e corpo a un villain assolutamente memorabile).La scena del ritrovamento del cadavere decapitato in un fiume è già di per sé da mandare a memoria,col padre e il fidanzato in preda al dubbio sull’identità della giovane,in un girotondo di caos e sofferenza,fino all’accidentale caduta della testa del cadavere da una scatola in mano ad un agente.Dae-hoon,in preda al dolore,promette vendetta all’amata e alla sua famiglia.

Inizialmente aiutato dal padre di lei,che gli fornisce le foto segnaletiche dei possibili sospettati,il giovane comincia la sua personale discesa agli inferi,in preda alla sete di giustizia,alla sofferenza senza possibilità di conforto,a una rabbia che non conosce argini.L’uomo che dà la caccia al mostro,trovandolo,e iniziando con lui una nuova,sadica caccia a circuito chiuso,diventa mostro egli stesso,ed apparentemente simile a colui che odia.

Dae-hoon arriva dunque a lui,Kyung-chul,passando per la sua famiglia (altro tema estremamente importante nel film);killer psicopatico,sadico,di grande carisma e astuzia,autista di scuolabus,viene catturato dal giovane in un momento visivamente forte (lo stupro di una giovanissima studentessa),spingendo così lo spettatore ad odiare completamente il villain e a trovare catarsi nelle prime torture da parte di Da-hoon,che gli promette che non finirà così,che quello è solo l’inizio di un lungo incubo in cui la morte arriverà unicamente al culmine della sofferenza.

Comincia così il gioco del gatto col topo,in cui il giovane agente segreto,con uno stratagemma, tiene perennemente le tracce del killer,lo lascia apparentemente libero,anche di uccidere ancora,per poi riprenderlo,e riprenderlo di nuovo.”La genesi di un mostro”,come la definisce il killer cannibale amico di Kyung-chul.

Fin qui la chiave di lettura è apparentemente soltanto morale:Dae-hoon sfoga la sua rabbia e il suo sadismo dolorosamente,ma non senza compiacimento,nonostante la famiglia della ragazza tenti di fermarlo poiché ciò che fa “non la riporterà indietro”.Ma subentra il fattore sorpresa,il colpo di genio,la chiave interpretativa fin qui non considerata:mai cercare di battere il Diavolo,perché egli vincerà sempre in astuzia.Dae-hoon commette un errore fatale:sottovaluta il mostro. “Io non conosco il dolore,non conosco la paura.Dunque non c’è nulla che tu possa portarmi via.Per quello tu hai perso e io ho vinto”,queste le parole di Kyung-chul,che meglio di qualsiasi altra definizione riassumono il concetto di come la glacialità di una mente crudele finisca inevitabilmente per avere la meglio sule fiamme del dolore e della sete di vendetta.La crudeltà è razionale nella sua follia,il Male conosce mille astuzie.

Il finale è preceduto da altri colpi di scena,un finale apparentemente elementare,semplice ma assolutamente bello,inesorabile,dolente.Il film inizia con un tragitto in auto,in andata,e termina con un cammino in ritorno,fine di un percorso nell’abisso,faccia a faccia col mostro/Diavolo dentro e fuori dal Sé.

Una pellicola dunque magnifica,da amare o odiare,che non ammette mezze misure,forse troppo convenzionale nella prima parte ma che scatena tutto il suo potenziale nella seconda.

Mai cercare di battere il Diavolo,poiché sia la vittoria che la sconfitta saranno,inevitabilmente,assai amare.

Araknex/Chiara Pani

(araknex@email.it)

Titolo Originale: Akma-Reul Bo-At-Da

Titolo Internazionale:I Saw The Devil

Corea del Sud – 2010

Regia: Ji-woon Kim

Calvaire (2004) [pubblicata:25 Novembre 2010]

2011-05-19T02:50:00.000+02:00

Strano e controverso oggetto filmico questo Calvaire,primo lungometraggio del belga Fabrice Du Welz,costellato da critiche non solo discordanti,ma diametralmente opposte,tra chi grida al capolavoro e chi demolisce completamente il film.E’ questo forse,in nuce,il primo pregio della pellicola,suscitare reazioni,forti,in direzioni completamente diverse.Nel cinema odierno,in cui molte opere suscitano la più totale indifferenza,l’assenza di emozioni che è il peggiore dei mali,tutto questo è già molto.

Il canovaccio di sceneggiatura è all’apparenza semplice e ricalcato sulla maggioranza dei “survival horrors”,ma con significative variazioni che lo caratterizzano in maniera originale e lo plasmano su una tematica ben precisa:la solitudine.Vero leit-motiv del film.

Qu non c’è il solito gruppo di teenagers che si avventura turisticamente in luoghi sperduti per finire in pasto al “mostro” di turno.Marc Stevens (il bravo Laurent Lucas),è un cantante girovago,la cui casa è il suo furgone,che sfodera il suo repertorio di canzoni d’amore nelle occasioni più svariate.L’inizio del film,con l’esibizione in un ospizio alle soglie di una nevosa vigilia di Natale,getta già le basi tematiche dell’intera pellicola:la tristezza di fondo,la solitudine sia di Marc che delle persone attorno a lui,ma soprattutto la morbosità di costoro (l’anziana che tenta un triste approccio,l’infermiera che nasconde proprie foto osè nella busta con la paga di Marc),dipingendo fin dalle prime scene il protagonista come calamita dell’altrui debolezza e disperazione.

Lungo il viaggio verso la prossima meta,il furgone si guasta;compare l’inquietante Boris (Jean-Luc Couchard),un ritardato in cerca di Bella,la sua cagnetta persa nei boschi.Anche in questo caso si annuncia un’altra tematica di fondo del film,la perdita/assenza del femmineo,della Donna in quanto catalizzatore d’amore e simbolo di delicatezza in un villaggio abitato esclusivamente da individui di sesso maschile,caratterizzati in modo assolutamente triviale.

Boris conduce Marc alla locanda di Bartel,altro simbolo di solitudine (“nessuno viene più qui da anni,ma le camere sono in ordine”).Bartel (l’ottimo Jackie Berroyer),è personaggio grottesco e inizialmente burbero ma che si accende di un subitaneo ed eccessivo entusiasmo alla vista del furgone “da tour” di Marc:”Lei è un artista!Anch’io sono un artista.Un umorista.Ma da quando mia moglie Gloria mi ha lasciato,ho perso il mio umorismo”.Gloria,che era come Marc una cantante,personaggio presente nel film solo attraverso le parole di Bartel prima,e degli abitanti del villaggio poi,simbolo del Femminile perduto,che se ne è andato,causando dolore,rabbia e infine follia.

Marc,ansioso di ripartire,è suo malgrado costretto a fermarsi alla locanda,bersagliato dalle promesse di Bartel di riparargli il furgone il giorno successivo.

La follia si insinua,sempre più manifesta e meno sottile,nel frugare ossessivo di Bartel all’interno del furgone di Marc,nella scena di accoppiamento tra un uomo del villaggio e un maiale,a cui il protagonista assiste,inorridito,di nascosto,fino alla scena della cena (nella quale il regista ha voluto omaggiare nientemeno che Psycho),durante la quale,in seguito alle insistenze del locandiere,Marc intona uno dei suoi cavalli di battaglia,davanti all’estasiato Bartel:”Grazie per questo meraviglioso momento”.

Questa scena può essere definita uno spartiacque tra la prima parte del film,in cui la tensione è sottesa,e la seconda,dove esplode manifesta e violenta,il mattino successivo,al risveglio di Marc.Bartel è sparito.Nell’armadio della stanza di Marc ora ci sono abiti femminili.Piccoli segni che vanno in crescendo fino alla distruzione e incendio del furgone;la follia di Bartel è ora chiarissima e manifesta :mostrando la batteria a Marc,prima di colpirlo in testa:”è questa che cercavi?sei tornata per andartene di nuovo?”.Nella mente disturbata di Bartel,Marc ora E’ Gloria.

Il seguito del film è piuttosto prevedibile,con Marc ostaggio del folle,tentativo di fuga fallito,nulla manca al consueto pattern del survival horror.Con qualche eccezione che rende il film per alcuni aspetti originale.Bartel si reca all’osteria del paese,per annunciare il ritorno di Gloria e intimare agli ostili abitanti del villaggio di starle lontani.”E chi lo dice che è tua moglie?”,dice uno di loro (impersonato da Philippe Nahon,il memorabile “assassino” di Haute Tension).

Parte un’angosciante melodia al piano (unica musica del film,insieme allo score nei titoli di coda),due uomini ballano tra loro in modo grottesco,seguiti dagli altri.La scena è surreale,per molti versi ingenua,probabilmente anche un po’ inutile nel suo ribadire,per l’ennesima volta,come l’assenza del Femminile porti alla perdita del raziocinio.

Il finale è violento,con una forte e un po’ forzata citazione da Texas Chainsaw Massacre,ed enigmatico,poiché il film pare interrompersi bruscamente.

Film controverso:banale sotto alcuni punti di vista,originale per altri,troppo ingenuo nel suo grido di solitudine di un mondo senza donne diventato rozzo e folle,apparentemente forzato nell’identificazione Marc/Gloria da parte di Bartel,in realtà identificazione da parte dell’intero villaggio,con una donna che probabilmente non è mai nemmeno realmente esitita.A dire del regista,i personaggi del film sono soltanto due,Marc e Bartel,poiché gli “altri” sono solo variazioni di Bartel stesso.

Ul film dunque con molti difetti,ma anche innegabili pregi.Uno strano oggetto dunque,una sorta di gioco di specchi in cui lo spettatore può vedere cose diverse,e trarne diverse conclusioni.

Araknex/Chiara Pani

(araknex@email.it)

Belgio/Francia/Lussemburgo – 2004

Regia: Fabrice Du Welz

Shadow (Federico Zampaglione – Italia 2009) [pubblicata:Ottobre 2010]

2011-05-19T02:47:00.003+02:00

Una bella sorpresa nel panorama horror italico questa pellicola di Federico Zampaglione,già leader del gruppo pop Tiromancino e regista della black comedy Nero Bifamiliare (2007).Sorpresa a metà,a dire il vero,visto che il film era già stato incensato da critiche entusiastiche.In questi casi,ci si appresta alla visione pregni di pregiudizio positivo,ma non troppo,viste le cocenti delusioni che l’horror di casa nostra ci ha riservato,dopo gli anni d’oro che tutti conosciamo fin troppo bene.

Il film si apre con una panoramica di ampissimo respiro,sulle montagne di “un bellissimo posto in Europa”,come recita la voce fuori campo del protagonista David (l’americano Jake Muxworthy) in una lettera alla madre,che in poche parole e sui titoli di testa ci schiude lo sguardo sull’incubo,reale,da dove egli proviene:l’Iraq,la sua guerra,i suoi orrori.”Non vedo l’ora di salire di nuovo sulla mia bicicletta”.Questo è David a inizio film,biker in uno splendido scenario naturale,libero e in movimento,dopo il grande incubo bellico e la sua angosciante inerzia,in piena luce,senza Ombre.

Ma il nuovo incubo è in agguato,e ben presto si svela nella sua prima fase,tra le mura di un piccolo bar,impersonato da due cacciatori (l’ottimo Ottaviano Blitch e Chris Coppola,nipote di) che molestano la bella Angeline (Karina Testa),che diventerà compagna di viaggio e sentimenti di David nel suo percorso di fuga dal passato.

Gli orrori della guerra tornano in un racconto della stessa Angeline,che narra di un gruppo di civili iracheni che proprio in quelle zone,al Passo delle Ombre,si erano rifugiati,per essere poi sterminati da un gruppo di soldati (”li hanno uccisi nel sonno”),narrazione con tocchi un po’ banali di ghost story,di fantasmi che ritornano,corollata dal classico “chiunque si sia avventurato lì non è mai tornato”.

L’incubo riprende carne e sangue con i due cacciatori all’inseguimento della coppia che (ovviamente) si salva.

Al che tutto improvvisamente si fonde/confonde in una nebbia onirica (sonno,sogno e incubo sono i temi centrali della pellicola),momento di smarrimento e transizione tra la prima parte del film e la seconda,nella quale il registro visivo cambia radicalmente.

Angeline scompare,i cacciatori e David vengono catturati.

La seconda parte del film ha inizio,speculare opposto della prima:l’incubo si manifesta in tutta la sua prepotenza e perversione,con David e i suoi due aspiranti carnefici imprigionati a tavoli di contenzione,in una camera di torture malsana e claustrofobica.

L’incubo ha il volto dell’attore svizzero Nuot Arquint,assolutamente perfetto per la parte,villain memorabile,maligno e silente,senza nome e identità,incarnazione del Male assoluto,dal corpo fragile ed emaciato,quasi alieno per certi versi,chiaramente Nosferatico ma anche evidente omaggio a La Morte del Bergmaniano Settimo Sigillo.Un cattivo come se ne sono visti pochi ultimamente,destinato a permanere a lungo nell’immaginario collettivo cinematografico.

Gli echi di torture movies come Hostel e Saw sono inevitabili,gli omaggi argentiani abbondano,in primis nella musiche di chiara ispirazione gobliniana,composte dal fratello del regista,ed in alcune precise scene (su tutte,a fine film,David che si china per svelare alle sue spalle la presenza del torturante,celeberrima scena di Tenebre già ripresa pari pari da De Palma in Doppia Personalità).C’è anche molto di Fulci e Bava,appassionati omaggi al cinema con cui il regista è cresciuto e grazie al quale ha sviluppato la propria passione per il genere.

Questa parte del film è a tratti scontata,con i suoi richiami agli orrori del nazismo (foto di campi di concentramento,la camera di torture che diventa camera a gas),ma nonostante ciò non perde di forza,mantenendo alta la tensione fino al finale “a sorpresa”,nel quale il cerchio si chiude (il film si conclude,dal punto di vista sonoro,così come era iniziato,con la lettera di David alla madre).

Realtà e incubo si fondono in un amplesso di angoscia.

Inevitabile il paragone tra Zampaglione e Rob Zombie,altro musicista/regista e anch’egli passionale omaggiante degli horror della sua adolescenza (il suo splendido film d’esordio House of 1000 Corpses è un’unica,innamoratissima citazione dei capolavori americani orrorifici degli anni ’70,The Texas Chainsaw Massacre su tutti).Zampaglione non raggiunge forse i livelli del collega americano ma ci regala una piccola e oscura perla,slancio vitale nel cinema italiano di genere che sembrava ormai morto per sempre,tranne rare eccezioni (l’ottimo regista nostrano Ivan Zuccon).

Una speranza per gli appassionati che si spera non resti un caso isolato;Zampaglione verrà ora atteso al varco per la sua prossima prova filmica:l’Ombra è calata,c’è solo da sperare che non torni la finta luce della banalità e del già visto.

Chiara Pani/Araknex

(araknex@email.it)

Shadow - L'Ombra

Italia - 2009

Regia:Federico Zampaglione

The Countess

2011-05-19T02:45:00.002+02:00

Cominciamo dalla fine;al termine della visione del film,una domanda sorge spontanea nella mente di chiunque abbia anche solo una vaga idea di chi fosse Erzsébet Báthory:ma lei,dov’era?Poichè il personaggio rappresentato nella patinata pellicola fortemente voluta dall’attrice francese Julie Delpy,che l’ha scritta,prodotta,diretta,interpretata e non paga ne ha anche composto lo score musicale,è solo una pallida e ridicola rappresentazione da romanzetto rosa del folle personaggio della Contessa Sanguinaria.

La storia della Contessa Bathory è assai affascinante,ma poco coltivata sul grande schermo (tra i pochi precedenti,l’italo-spagnolo “Le Vergini Cavalcano La Morte”,del 1973 e il britannico “La Morte Va a Braccetto Con Le Vergini”,dell’anno successivo):nata in Ungheria nel 1560,ma allevata in Transilvania,imparentata con Vlad III,è personaggio storico di culto,a metà tra vampirismo e omicidio seriale,follia e pratiche stregonesche,sadismo e grande intelligenza;in un’epoca in cui le donne contavano poco o nulla,a meno che non fossero regnanti,lei fu una nobildonna estremamente potente.

Data in sposa a un nobile di grande crudeltà,fu proprio durante le lunghe assenze del marito che venne iniziata alle pratiche magiche da sua zia Karla.

La Bathory era una donna estremamente crudele con i servi,spietata,folle,ebbe numerosi amanti di entrambi i sessi,era dedita alla magia nera e,sua caratteristica più conosciuta,era convinta che il sangue delle vergini avesse un potere ringiovanente sulla sua pelle,convinzione che mise in pratica senza esitazioni:tutto ciò spiegato in forma ovviamente assai riduttiva e sintetica ma di per sé contenente già un grande potenziale per una bella storia cinematografica.

Potenziale non solo sprecato,ma incenerito:la Contessa interpretata dalla Delpy è una donna monoespressiva,la sua follia si riduce a puri capricci,la sua crudeltà a qualche tortura opportunamente censurata.Si rasenta l’assurdo con la storia d’amore tra lei e il giovane nobile Istvan Thurzo,che la vede struggersi fino alla follia;forse la regista/attrice/produttrice ha voluto ignorare che non ci fu bisogno di un amore andato male per far impazzire la Contessa,poiché era già assolutamente folle di suo.E’ ovvio che bisognava versare melassa sul film,renderlo appetibile,ed ecco qua una storiella pronta per essere riscaldata e mangiata,tinteggiata di un bel rosa posticcio.Forse il rosso del sangue è stato considerato troppo:peccato che di sangue se ne veda ben poco,in quella che dovrebbe essere la storia di una Sanguinaria.

Un film senz’anima,il che stupisce vista la dedizione della Delpy alla pellicola,un biopic da film televisivo,curatissimo,patinato,lucidato a dovere,assolutamente insensato per una storia sporca di sangue e delirio come quella della Contessa Erzsébet.Un susseguirsi di vergini dissanguate,con la vanitosa Contessa che,miracolo!,si vede subito più giovane,come in un brutto spot di una crema antirughe.Non c’è la discesa nella follia,l’analisi di questa ossessione,è come un album di belle figurine che messe tutte insieme formano un rudimentale canovaccio di racconto.

Resta una sola constatazione:se la Contessa Bathory avesse potuto vedere questo film,la Delpy e tutta la troupe non avrebbero fatto una bella fine.

Chiara Pani/Araknex

(araknex@email.it)

Germania/Francia/USA - 2009

Regia:Julie Delpy

Promenons nous dans les bois - Deep In The Woods (maggio 2008)

2011-05-19T02:42:00.002+02:00

Riesco finalmente a mettere le mani e soprattutto gli occhi su questo film dopo un bel po' di tempo dalla sua uscita (2002) e dopo averne sentito parlare un gran bene;provvidenziale ebay e il dvd import,visto che nelle nostre sale e videoteche non ha mai visto la luce,ed è un peccato,per chi ha fame di horror recenti e originali questo poteva essere un piatto gustoso.

I film d'oltralpe di genere immancabilmente incuriosicono,visto che è un paese che pare piuttosto allergico all'horror (se si escludono pochissime chicche tipo Haute Tension,che stilisticamente ricorda comunque questo film) e tende comunque a virarlo più verso il thriller e il dramma che verso il terrore o il gore fine a se stesso.

Il film non è perfetto,a volte si dilunga troppo,ma è interessante e visivamente bello,merita una visione:un gruppetto di giovani attori viene chiamato in una *sperduta dimora* per fare uno spettacolo privato:nella trama l'originalità non regna,ma alcune trovate sono decisamente brillanti,con sequenze psicologicamente disturbanti poichè dilatate all'eccesso.Una pellicola che riesce a dare un senso di disagio senza un uso eccessivo di effettacci,che comunque sono presenti ma con una certa misura ed impiegati ad arte.

Se il cinema è uno dei prodotti di una data cultura,prendendo l'horror come genere-campione,analizzare le produzioni di paesi solitamente avari nel settore può dirci qualcosa in più sul *cosa c'è dietro*,visto che notoriamente e dalla sua nascita l'horror rispecchia le paure e le ferite di un determinato paese in un dato periodo storico....

In ogni caso,un film misconosciuto,dal titolo inglese negativamente ingannevole ma che far venir voglia di vedere qualcosina in più in tema di pellicole orrorifiche per quanto riguarda il paese *della nouvelle vague*,che ormai è un 'etichetta ancora più trita che pizza-spaghetti-mandolino e da cui il cinema d'oltralpe potrebbe - e dovrebbe - finalmente affrancarsi.

Titolo Originale:Promenons Nous Dans Les Bois

Titolo Internazionale:Deep In The Woods

Francia - 2000

Regia:Lionel Delplanque

Il Prescelto vs. The Wicker Man (maggio 2008)

2011-05-19T02:37:00.002+02:00

Premetto che mi sono avvicinata a questo film,Il Prescelto,di Neil LaBute,remake di The Wicker Man ("L'Uomo di Paglia",Robert Hardy,1973),con una certa dose di curiosità positiva e ottimismo,nonostante si tratti di un remake,oggetti cinematografici ambigui a cui di solito guardo con forte diffidenza.
Predisposizione positiva ispirata dal nome del regista,il LaBute di cui ho amato il crudele Nella Società degli Uomini e lo sgangherato e folle Betty Love,e ovviamente curiosa di vedere cosa sarebbe potuto risultare dal rifare (e in questo caso attualizzare) un film bellissimo e davvero bizzarro nella più pura accezione del termine come The Wicker Man,pellicola di culto targata 1973.
Purtroppo tutte le mie buone intenzioni si sono spente come una torcia scarica ancora prima di arrivare a metà film:tutto ciò che aveva reso l'originale degno di interesse e unico nel suo genere è completamente sparito da questo film,dove domina un Nicholas Cage che pare non saper bene da che parte girarsi,con la storia rimaneggiata in maniera a dir poco confusa:a cominciare dalla location,originariamente un'isola della Scozia,ora sbalzata nel Pacifico,passando per la storia in sè,dove nel film di Hardy il protagonista (o meglio,uno dei protagonisti) era un poliziotto integerrimo e al servizio della legge che,per cercare una bambina scomparsa,si trova a fare i conti con quest'isola popolata da una comunità di personaggi sinistramente bizzarri,con scene puramente grottesche (la cerimonia in maschera su tutte,che nel remake diventa pressocchè ridicola) e su cui troneggia il capo della comunità,un magnifico Christopher Lee,il tutto innaffiato da un sensualità fortissima e più che sottilmente malsana (con Ingrid Pitt e Britt Ekland a farne da icone).
In questo film del 2006 lo splendido oggetto originale si tramuta in una patacca,con Cage sempre al servizio della legge ma in "missione" per conto di una sua ex fidanzata,abitante dell'isola,che gli scrive implorandolo di ritrovare la famigerata bambina scomparsa,con un complotto di sottofondo piuttosto scontato e inutile,dove il formidabile e sensuale Lee è sostituito da una pur sempre molto brava Ellen Burstyn che non riesce purtroppo ad avere un briciolo della forza del personaggio originale nel suo simboleggiare una società qui diventata un matriarcato in maniera forzata e dove la componente sessuale che impregnava il primo film si è tramutata in una serie di ammiccamenti buttati allo sbaraglio qua e là,sprecando la presenza di Leelee Sobieski che poteva essere perfetta e che invece pare capitata nel film per caso dopo aver sbagliato set.

Anche il vero protagonista,L'Uomo di Paglia,inquietante Golem pagano che domina l'isola e che dava al primo film il definitivo tocco di genio,qui diventa un pupazzone senza significato che viene inquadrato sì e no per due minuti e anche lui pare buttato lì per errore.

Un remake che se fosse stato fatto con cura,attenzione e maggiore fedeltà all'originale sarebbe stato un film potenzialmente valido è invece diventato l'ennesimo prodotto inutile,che ci si augura possa però avere una conseguenza positiva:far conoscere il primo film a chi (e non è una minoranza) non l'abbia già visto e apprezzato,per mostrarne le profonde differenze e cercare di far capire,per l'ennesima volta,che una buona idea può fare molto di più che un sacco di dollari di budget buttati al vento.

Titolo Originale:Anthony Shaffer's The Wicker Man

UK - 1973

Regia:Robin Hardy

Titolo Originale:The Wicker Man

Titolo Italiano:Il Prescelto

USA/Germania/Canada - 2006

Regia:Neil LaBute